Mettre en lumière la diversité et l’inclusion à travers la photographie

La diversité et l'inclusion Canon

Dans le monde des arts visuels, l’intention derrière une œuvre est tout aussi importante que sa beauté esthétique. Pour Justin Dingwall, photographe sud-africain de renommée internationale, sa démarche va bien au-delà de la simple célébration de la beauté. Ses photographies sont un puissant plaidoyer en faveur de la diversité et de l’inclusion, mettant en lumière la différence comme source d’inspiration et de force.

Le parcours de Justin Dingwall

Justin Dingwall a étudié la photographie à l’École d’art et de design de Pretoria. Il a rapidement gagné en notoriété grâce à son approche innovante et sophistiquée du médium. Ses créations sont empreintes d’une profonde compréhension des valeurs culturelles et sociales qui façonnent notre époque. Il s’est ainsi imposé comme l’un des photographes les plus en vue dans le domaine du portrait, de la mode et de l’art engagé pour la diversité.

Collaboration avec des marques et des personnalités

Au cours de sa carrière, Justin Dingwall a eu l’opportunité de travailler avec des marques prestigieuses telles que Adidas ou Schweppes. En outre, il a collaboré avec de nombreuses personnalités issues de différents horizons, notamment des mannequins albinos, des drag queens et des personnes atteintes du syndrome de Down. Chacun de ces projets témoigne de sa volonté de mettre en valeur la singularité de chaque être humain.

Expositions mondiales

Des expositions internationales, comme la Biennale Africaine de la Photographie, au Mali, ont présenté le travail de Justin Dingwall. Il a également remporté plusieurs prix prestigieux pour ses œuvres, notamment les Sony World Photography Awards. Ces reconnaissances sont le fruit de son engagement sans relâche à véhiculer un message d’amour, d’acceptation et de tolérance.

La diversité comme mot d’ordre

Voyant en la photographie une puissante plateforme pour le militantisme social, Justin Dingwall s’engage résolument pour la cause de la diversité et de l’inclusion.

Fighters : Sensibiliser sur l’albinisme

Dans sa série « Fighters », il met en scène la mannequin sud-africaine Thando Hopa et le chanteur Sanele Xaba, deux personnalités albinos qui dénoncent les stéréotypes et préjugés auxquels ils font face. En collaboration avec Justin Dingwall & Roman Handt, cette série vise à améliorer la compréhension de l’albinisme. En outre, elle suscite le dialogue autour de cette question pour mieux sensibiliser le public à ses enjeux.

Beautiful Aging : Célébrer les différentes étapes de la vie

Dans sa série « Beautiful Aging », il explore les multiples facettes de la beauté et de la temporalité. Mettant en scène des femmes de tous âges, cette série reflète la manière dont chaque individu vit différemment le passage du temps et évolue tout au long de sa vie. Dans ce contexte, la diversité est une occasion de partager, d’échanger et de grandir.

la diversité et l'inclusion

Promouvoir l’inclusion à travers l’art

Chacune de ses œuvres peut être interprétée comme un hymne à la diversité et à l’inclusion. Ses portraits démontrent que la beauté réside dans notre capacité à nous ouvrir aux autres et à apprécier leurs différences.

Faire tomber les barrières sociales

En décloisonnant les frontières entre la mode, l’art et l’engagement social, Justin Dingwall contribue à faire tomber certaines barrières qui divisent notre société. Appelant toujours à repenser nos jugements et préjugés, chaque photographie est empreinte d’une volonté de dialogue et d’enrichissement mutuel.

Ouvrir les portes de l’univers artistique à tous

Au-delà de son travail photographique, il milite également pour l’inclusion des individus marginalisés dans l’univers artistique. Il crée ainsi de nouvelles opportunités pour ceux qui ont été mis à l’écart. Il collabore régulièrement avec d’autres artistes partageant la même vision sociale pour participer à un changement durable des mentalités.

Un artiste engagé

En somme, Justin Dingwall est une figure emblématique de la photographie contemporaine. Son message passe par la célébration de la différence et de la diversité. Grâce à ses créations, il nous rappelle que l’art peut contribuer au rapprochement des cultures et influencer positivement notre regard sur notre société.

La plume séduisante de ce photographe engagé fait de lui un acteur majeur dans la lutte pour la reconnaissance et la valorisation des différences culturelles, sociales et physiques qui nous rendent uniques.

Wim Wenders photographe

Wim Wenders photographe, affiche expo

Wim Wenders photographe, voici le thème de trois expositions que nous pouvons voir à Lyon  jusqu’au 31 décembre 2023. Je vous présente ce programme en complément de l’article : Bloc-notes automne 2023.

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Lyon et le cinéma

Musée Lumière

On ne le dit pas suffisamment, mais c’est à Lyon que les frères Lumière (Louis et Auguste) ont réalisé le premier film de l’histoire en 1895 avec une machine qu’ils avaient inventée.

Le musée Lumière, d’ailleurs situé rue du premier film présente l’histoire de la famille Lumière et les inventions des frères Louis et Auguste, le cinématographe, en particulier. Les visiteurs peuvent découvrir des objets uniques comme le premier cinématographe, un kinétoscope Édison et des objets d’époque dans la villa même de la famille Lumière.

Le Festival Lumière

Depuis 2009, l’Institut Lumière et Lyon métropole organisent le Festival Lumière au mois d’octobre. Également nommé Grand Lyon Film Festival, il acquiert d’année en année une notoriété internationale. Petite parenthèse pour évoquer Bertrand Tavernier, cinéaste lyonnais, qui s’est beaucoup impliqué pour que ce festival devienne un succès.

Cette année le prix Lumière, qui met un cinéaste à l’honneur, a été décerné à Wim Wenders

Wim Wenders cinéaste

Wim Wenders cinéaste

Wim Wenders est un cinéaste allemand né à Düsseldorf en 1945. Il a réalisé vingt cinq longs-métrages, des films documentaires et des courts-métrages. Retenons Paris-Texas, Les ailes du désir, Si loin, si proche, Lisbonne story, Rendez-vous à Palerme, Les beaux jours d’Aranjuez. Et parmi les documentaires Le Buena Vista Social Club en 1999 et Le sel de la terre en 2014  (avec la collaboration de Juliano Ribeiro Salgado), consacré au photographe brésilien Sebastião Salgado .

<<< Automne 2023, Wim Wenders reçoit le Prix Lumière

Wim Wenders photographe

Wim Wenders photographe Une fois...

Wenders est également photographe. Au début, il photographie en 24 x 36 avec un Leica. Ses clichés sont personnels et il n’a pas l’idée de les montrer.

Il a perdu cet appareil lors d’un voyage au Japon en 1983. Il le remplace par un Plaubel avec un objectif de 90 mm. C’est dans l’Ouest américain, en faisant les repérages pour le film Paris-Texas, qu’il va utiliser la photographie pour préparer son film et apprendre à maîtriser cette lumière si particulière.

«Je n’avais jamais tourné dans ces paysages et j’espérais ainsi aiguiser ma capacité de compréhension et ma sensibilité envers cette lumière et ces paysages à travers la photographie »

En 1993 Wenders publie   Einmal, Une fois en français Once en anglais, ouvrage dans lequel il associe ses photographies prises aux quatre coins du monde (Allemagne, Australie, États-Unis, Cuba, Israël…) à des textes commentaires. Chacun de ces textes commence par «Une fois…»

Wim Wenders photographe, les expos lyonnaises

L’institut Lumière présente trois expositions intitulées Wim Winders photographe cet automne à Lyon :

  • Une fois… photos et histoires de Wim Wenders

Présentation de photographies tirées du livre «Einmal », avec les textes qui les accompagnent. Également des photos inédites, jamais présentées auparavant.

20, rue du 1er film dans le 8ème. Jusqu’au 31 décembre du mardi au dimanche, de11 h à 19 h.

  • Wim Wenders, arrêt sur image

Photos extraites des longs-métrages du cinéaste qui ont été restaurées et qui témoignent de l’atmosphère des films concernés.

3 rue de l’Arbre sec, Lyon 1er. Jusqu’au 31 décembre, du mercredi au dimanche, de 14 h à 19 h.

  • Lieux insolites, photographies de Wim Wenders

Photographies d’art réalisées par Wenders

3, rue Pleney, Lyon 1er. Jusqu’au 12 novembre, du mercredi au dimanche, de 14 h à 19 h.

Tarifs : 4 € pour chacune des expos, 9 € pour les trois.

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Robert Doisneau

Robert Doisneau, introduction

Robert Doisneau est certainement le photographe du XXe siècle le plus populaire en France. Ses clichés en noir et blanc du Paris et de la banlieue après-guerre sont les plus célèbres. Ils témoignent du quotidien de gens simples, souvent avec malice, avec ironie mais toujours avec tendresse !

Le travail de Doisneau, c’est aussi des portraits de célébrités, des reportages dans la société bourgeoise ou des voyages à l’étranger.

Jacques Prévert était un ami de Robert Doisneau. « C’est toujours à l’imparfait de l’objectif que tu conjugues le verbe photographier » lui disait-il

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Robert Doisneau, biographie

Avant- guerre

Robert est né le 14 avril 1912, à Gentilly, aujourd’hui dans le Val de Marne dans une famille de la petite bourgeoisie de banlieue.

À l’âge de 15 ans, il entre à l’école d’arts graphiques Estienne. Il obtient un diplôme de graveur lithographe en 1929. Son premier emploi consiste à créer des étiquettes pour l’industrie pharmaceutique.

1931, année de rencontres :

  • André Vigneau l’initie à la photographie et l’embauche comme assistant. Il découvre avec lui la Nouvelle Objectivité, mouvement photographique qui se caractérise par la représentation de la réalité sans artifice.
  • Pierrette Chaude-Maison : ils se marieront 3 ans plus tard et auront deux filles : Annette et Francine. Robert et Pierrette resteront unis jusqu’à la mort de cette dernière en 1993. Il lui survivra six mois seulement.

Mais revenons aux années 1930 : en 1932 Robert vend son premier reportage qui sera publié dans le magazine Excelsior. En 1934, il entre Chez Renault à Boulogne-Billancourt comme photographe industriel. Fâché avec la pointeuse, il est licencié cinq ans plus tard, à la veille de la guerre.

« Ce qui m’a poussé dehors, avec mon appareil rudimentaire n’était pas un besoin d’imiter des œuvres existantes, mais bien au contraire, un réflexe de désobéissance » Robert Doisneau

Robert Doisneau et la guerre

Robert Doisneau, insurrection de Paris

Insurrection de Paris © Robert Doisneau

Mobilisé en Alsace en 1939, RD reviendra dans un Paris occupé. Ses talents de graveur lui serviront pour réaliser de faux papiers pour la résistance pendant toute la période de l’occupation. Il aura parallèlement quelques commandes pour des publicités et des portraits.

En août 1944, pendant le soulèvement de la capitale, il parcourra les rues sur sa bicyclette, appareil photo en bandoulière. Il photographiera avec frénésie les combats et la libération de la capitale. 

De Gaulle 26 août 1944

De Gaulle 26 août 1944 © Robert Doisneau

Après-guerre, années 1950

C’est après la guerre que Robert Doisneau deviendra photographe indépendant et connaîtra la notoriété. Il rejoint en 1946  l’Agence Rapho et va réaliser de nombreux reportages à Paris, en Province mais également à l’étranger : URSS, États-Unis, Canada, Yougoslavie, Japon. Ses travaux seront publiés dans de nombreux magazines : New-York Times, Life, Paris-Match, Réalités, Point de vue, Regards, etc. D’ailleurs sa photographie la plus célèbre : Le baiser de l’hôtel de ville a été prise dans le cadre d’une commande pour le magazine Life.

Robert Doisneau, le baiser de l'Hôtel de ville

Photographie prise à partir de la terrasse d’un café: un couple s’embrasse, indifférent aux passants qui l’entourent. L’Hôtel de Ville de Paris est en arrière-plan. © Robert Doisneau 1950

Robert Doisneau en Province

Le photographe a fait de nombreux voyages en France: l’Alsace où il est retourné dès 1945, Lyon, la Bretagne, le Sud-Ouest, le Périgord, les Alpes, le Limousin, le Lot… (il allait régulièrement en vacances à Saint-Céré, de 1930 à la fin de sa vie). Il publiera de nombreux albums sur ces voyages. Nous en retrouverons certains dans mon prochain article : la bibliographie Robert Doisneau.

En 1947, Doisneau rencontre Robert Giraud. Ça sera le début d’une longue amitié et d’une collaboration importante : ils publieront 30 albums, dont La Banlieue de Paris en 1949, avec les textes de Blaise Cendrars.

Toujours en 1947, Robert Doisneau se rend en URSS avec le journaliste Pierre Gascar. Ils documenteront ensemble la vie des soviétiques. Photographies de rue, d’usines, d’écoles, de monument et de personnages illustres (Staline, Gorki…)

De 1948 à 1953, Doisneau va être collaborateur permanent au magazine Vogue. Pendant cette période, il fera la rencontre de Jacques Yonnet. Ses photographies illustreront l’ouvrage de l’écrivain : Enchantements de Paris, paru aux éditions Denoël en 1954. Pour la petite histoire, l’auteur n’a pas du être enchanté très longtemps puisqu’il a changé le titre en Rue des maléfices.

À cette période Doisneau est déjà un photographe reconnu. Des galeries et musées new-yorkais (dont le MoMA en 1951 et 1954) exposent ses œuvres en compagnie de celles d’autres photographes français du mouvement humaniste : Brassaï, Ronis, Izis, Cartier-Bresson. En 1954, l’Art Institute de Chicago organise sa première exposition individuelle.

Pourtant Doisneau n’a pas encore traversé l’atlantique. Ce sera chose faite au prochain paragraphe !

Les années 1960, la couleur

Robert Doisneau Palm-spring

J’associe volontiers les années 1960 à la couleur. Il me semble que le monde est passé du noir et blanc à la couleur pendant cette décennie. Il suffit de regarder, par exemple, les pochettes des disques des Beatles : costumes sombres, chemises claires et cravates noires en 1960. Chemises à fleurs très colorées en 1967…

En 1960, Robert Doisneau s’envole pour l’Amérique avec une commande du magazine Fortune.

Il organise des reportages à New-York et à Hollywood. À Palm Springs il a pour mission de photographier des terrains de golf implantés dans le désert du Colorado. Pour la première fois, il utilisera des films couleurs pensant ainsi restituer l’ambiance artificielle de ces milieux opulents. Le résultat sera d’une modernité exceptionnelle. Doisneau saura comme toujours transformer des moments ordinaires en photographies extraordinaires. Le maître du noir et blanc n’aura aucun mal à passer à la couleur. «Si c’était à refaire, je referai tout en couleur» conclut-il après cette expérience.

En 1963, Doisneau va visiter le Canada en compagnie du journaliste Jean-Paul Dubois pour le magazine Réalités. Il découvre les paysages du Québec, de l’Ontario et du Manitoba. Il photographiera les indiens, les trappeurs, les pêcheurs, les fermiers…

En 1965, il partira en Yougoslavie avec Jean-Paul Sartre,  pour le magazine l’Express. Il témoigne de la situation politique et sociale du pays et il photographie, en outre, le patrimoine historique et artistique.

En 1975, il se rend au Japon avec le journaliste Jean-Claude Guillebaud pour le Nouvel Observateur. Curieux des contrastes de ce pays, il photographiera d’une part les temples, les jardins, les geishas, les sumos pour témoigner du côté traditionnel. À l’opposé les gratte-ciels, les néons et les mangas montreront la modernité du Japon.

Robert Doisneau, reconnaissance

Sabine Azema par R.Doisneau

Sabine Azema en 1985 © Robert Doisneau

Robert Doisneau a photographié des personnages célèbres pendant toute sa carrière, Utrillo, Picasso, Tinguely, Giacometti, Braque, Nikki de Saint-Phalle, Vazarely, Poliakoff, Sempé, Wolinsky ou comme ci-contre Sabine Azema en 1985. Le musée Jean Couty de Lyon a organisé une exposition pour présenter 70 de ces portraits : Robert Doisneau, portraits d’artistes

Nous en retrouvons certains dans le livre d’Antoine de Baeque : Un artiste chez les artistes. À retrouver dans la bibliographie de Robert Doisneau (prochain article)

Expositions

Doisneau a vécu de sa passion. Il n’a pas connu l’opulence mais il a été très vite reconnu comme un grand photographe. Il n’est pas possible de lister toutes les expositions qui lui ont été consacrées. Nous avons vu plus haut que dès les années 1950, de grands musées des États-Unis ont exposé ses photos. Je citerai en outre, les Rencontres d’Arles où il fut l’invité d’honneur en 1975. En 1986 Arles présente : De Vogue à femmes, Robert Doisneau puis Hommage à Robert Doisneau en 1994.

En 1992, le Modern Art d’Oxford organise une rétrospective de son œuvre, la dernière de son vivant. Aujourd’hui encore ses photos font l’objet de nombreuses expositions, en collaboration avec l’Atelier Robert Doisneau.

Il a vécu avec sa famille plus d’un demi-siècle dans le même appartement, à Montrouge. Ses filles Annette et Francine ont gardé ce lieu dans lequel elles conservent les 450 000 négatifs laissés par leur père. L’Atelier propose des expositions à la location. Nous pouvons d’autre part consulter de nombreuses photos sur le site :

Les Honneurs

Robert Doisneau en 1992

Portrait Montrouge 1992 © Bracha L. Ettinger

Robert Doisneau recevra de nombreux prix pour son œuvre, entre autres :

  • Le Prix Kodak en 1947,
  • Le Prix Niepce en 1956.
  • Le Prix du livre des Rencontres d’Arles pour L’Enfant et la Colombe en 1979
  • puis pour Trois secondes d’éternité en 1980
  • Le Grand Prix national de la photographie en 1983
  • Le Prix Balzac en 1986.

Plusieurs établissements scolaires, des centres culturels portent son nom, ainsi que la Maison de la Photographie à Gentilly. Je citerai également la gare désaffectée de Carlux en Dordogne. C’est ici qu’il a pris des clichés «SNCF» pour illustrer son ouvrage : Les grandes vacances.

Bibliographie

Plus de 70 ouvrages sont illustrés par Doisneau ou sont écrits à son sujet. Je vous en propose un florilège dans l’article

Robert Doisneau s’est éteint le 1er avril 1994 à Montrouge, 6 mois après Pierrette qui a partagé sa vie. Ils reposent ensemble au cimetière de Raizeux dans les Yvelines. À titre d’épitaphe, je le citerai à nouveau :

« Les recettes pour faire connaître sont assez simples, mais faire aimer demande un élan qui vient du plus profond de soi ».

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Berenice Abbott

Berenice Abbott introduction

Berenice Abbott est née dans l’Ohio à la fin du XIXème siècle. Nous dirions aujourd’hui qu’elle fut « influenceuse» : elle a contribué à promouvoir les œuvres d’Eugène Atget et de Lewis Hine. Photographe, elle est connue pour ses portraits, pendant sa période parisienne. Ensuite, elle s’illustrera avec ses photographies urbaines et architecturales du New York des années 1930. Enfin, elle réalisera des photos scientifiques. Artiste en marge des courants et des modes, Berenice Abbott a gagné la reconnaissance au crépuscule de sa vie.

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Berenice Abbott, la jeunesse

Berenice est née le 17 juillet 1898 à Springfield dans l’Ohio. Elle a vécu une enfance difficile dans une famille déchirée, qu’elle a quittée dès ses 19 ans.

Elle fera des études de journalisme à l’université de l’Ohio puis aux Beaux-Arts de New-York. Fréquentant les milieux artistiques et intellectuels new-yorkais, elle rencontre Man Ray et Marcel Duchamp.

Aux Beaux-arts, elle étudie la peinture et la sculpture. En 1921, elle rejoint Paris ou elle travaille dans l’atelier d’Antoine Bourdelle, puis chez Constantin Bracusi. Ensuite, elle ira à Berlin où elle étudiera à la Kunstschule. Elle ne connaîtra pas de succès dans ces matières artistiques et acceptera, de retour à Paris d’être l’assistante de Man Ray.

Paris – Studio

Berenice Abbott, assistante de Man Ray, est à la fois son modèle (elle pose nue pour lui) et sa collaboratrice. Il lui apprend le tirage, puis la prise de vue, elle est particulièrement douée pour le tirage en laboratoire. Puis ses portraits connaissent un certain succès et lui apportent ses premiers revenus « concrets »

En 1926, elle prend son autonomie et ouvre son propre atelier, 44, rue du bac. Elle connaît rapidement la réussite : André Gide, Jean Cocteau, James Joyce, la princesse Murat, Marie Laurencin, André Maurois, Pierre de Massot, Sylvia Beach, Janet Flanner sont ses clients.

Pendant cette période « parisienne » Abbott collabore également avec le magazine « Vu »

Dans cette série de 9 portraits on notera le style épuré de la mise en scène qui contraste avec les décors opulents chers à certains photographes.

Paris, Eugène Atget

Berenice Abbott rencontre Atget en 1925. Il a alors 70 ans et n ‘est pas en bonne santé. Fascinée par la modernité de ses travaux, elle lui achète quelques tirages. Berenice fera son portait en 1927. Eugène Atget ne verra jamais cette ultime photographie où il apparaît très affaibli. Il est mort très peu de temps après la prise de vue. Abbott ayant à cette période une situation financière confortable, en profite pour acheter toutes les archives d’Eugène Atget, jusqu’alors négligées. Elle ne cessera de promouvoir son œuvre en écrivant des livres et en organisant des expositions.

Pour en savoir plus sur ce photographe parisien, mon article : Eugène Atget

Berenice Abbott portrait de E.Atget

Berenice Abbott, Changing New-York

C’est en 1929 que Berenice revient à New-York avec dans ses bagages les archives d’Eugène Atget. Elles seront exposées à la galerie de Julien Lévy.

Après 8 ans d’absence, les changements architecturaux de New-York, les contrastes entre la ville ancienne et les buildings modernes surprennent Berenice Abbott. Peut-être influencée par l’œuvre d’Atget, elle décide d’entreprendre un grand projet : photographier New-York pour conserver la mémoire de son temps.

La vie n’est pas facile pour Berenice à New-York : sa renommée parisienne ne l’a pas suivie. La concurrence est rude et son style réaliste, précis, sans compromis n’est pas dans l’air du temps. Le pictorialisme, dont Alfred Stieglitz est le porte-drapeau, est à son apogée. La grande dépression du début des années 1930 empire la situation financière de Berenice Abbott.

Elle finira par obtenir un poste d’enseignante de photographie en 1935 qui lui assurera un revenu fixe.

Son projet Changing New-York n’aboutira qu’en 1937 par une exposition au musée de la ville de New-York. Une publication dans le magazine Life suivra, ainsi qu’un livre, en 1939.

Encouragée par cette notoriété, Abbott continuera de promouvoir l’œuvre d’Eugène Atget ainsi que celle de Lewis Hine. C’est à cette époque qu’elle a rencontré ce photographe américain dédaigné par le microcosme new-yorkais. 

Berenice Abbott, photographe scientifique

Dès le début des années 1940, Abbott proposera des reportages de photographie scientifique. Elle veut faire découvrir la science à ses contemporains. Il lui faudra attendre près de 20 ans pour obtenir une collaboration avec le Massachusetts Institute ot Technology et réaliser ce projet. En pleine guerre froide, les États-Unis ont compris qu’il fallait encourager la recherche scientifique.

Au début des années 1960, Berenice Abbott va quitter New-York pour s’installer dans le Maine. Elle pratique moins la photographie, pourtant elle produit une série de photos prises le long de la route n°1, le long de la côte Est.

Pendant cette période, elle se consacre à l’écriture. The world of Atget est publié en 1964, suivi de livres documentaires techniques. Comme ses modèles, Eugène Atget et Lewis Hine, elle connaîtra une « traversée du désert »  et tombera dans l’anonymat.

C’est dans les années 1970 que la reconnaissance viendra. Elle obtiendra de nombreux prix et récompenses.

Berenice Abbott s’est éteinte le 9 décembre 1991 à Monson dans le Maine

La personnalité de Berenice Abbott, photographe

Comme nous l’avons vu, Abbott était en marge des modes de son époque. Femme indépendante, ce qui n’était pas courant au début du XXème siècle, elle représente avec Lisette Model les femmes fondatrices de la New-York Photo League. Cette organisation, fondée en 1936, rassemble des photographes documentaires.

Au fil des biographies, nous voyons que de nombreux photographes de la fin du XIXème, début du XXème siècle ont fait leurs premières armes dans la peinture. Nous le constatons dans les sujets : natures mortes, portraits dans des décors élaborés et dans les tirages. Le post-traitement des photos en laboratoire permettait de personnaliser les œuvres.

Quand Berenice est revenue à New-York en 1929, la mode était encore au pictorialisme, courant emmené par Alfred Stieglitz

Berenice Abbott, conception photographique

La conception de Berenice Abbott est différente. Elle se veut documentaire, rigoureuse, précise. Pour elle la photographie ne doit pas imiter la peinture par ses compositions et ses manipulations, elle doit être témoin de l’instant. Elle dira à la sortie de Changing New-york

« Le rythme de la ville n’est ni celui de l’éternité ni celui du temps qui passe mais de l’instant qui disparaît.

C’est ce qui confère à son enregistrement une valeur documentaire autant qu’artistique. »

Berenice Abbott

C’est bien sûr, ce caractère authentique que Berenice a apprécié dans les œuvres d’Atget et de Hine. Le passé n’est pas nostalgique : fixé par la photographie, il est à sa place.

La bibliographie de Berenice Abbott

De nombreux livres ont été écrits par Abbott, et à son sujet. Je vous propose un prochain article pour en faire une synthèse :

Conclusion

Nous perpétuerons au fil des décennies ce débat entre la photographie documentaire, précise, rigoureuse et la photographie mise en scène, retouchée, manipulée. Nous venons de voir que cette dualité existait à l’époque de Berenice Abbott entre les adeptes du pictorialisme et ceux de la photographie directe ( Straight Photography). Au siècle du numérique, le choix des prises de vue en mode RAW impose le post-traitement. Par conséquent, l’opérateur met sa touche finale au grand dam de certains qui décrient la « photo retouchée ».

Concevons que la photographie de reportage soit rigoureuse, exacte. Elle est un témoignage et se doit authentique. Concevons que certains prennent des vues pour garder l’instant T en mémoire, et qu’ils ne voient pas la nécessité de retoucher leurs prises de vue. Mais  acceptons que d’autres puissent retravailler leurs photos pour leur donner l’aspect qu’ils souhaitent.

Je ne le dirai jamais assez la bonne photographie est celle que nous voulons faire (prendre et post-traiter)

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Hippolyte Bayard, pionnier de la photographie

Hippolyte Bayard, introduction

Hippolyte Bayard est un nom que l’on rencontre fréquemment quand on fait des recherches sur la photographie. Il est l’un des précurseurs du média avec Niepce, Daguerre et Fox-Talbot.

Son apport en tant qu’inventeur ne sera pas vraiment reconnu : le daguerréotype de Daguerre l’a précédé de quelques semaines.

Ses contributions nombreuses et originales en tant que photographe (ouverture d’atelier, mission héliographique, combinaison de négatifs), en font un véritable trait d’union entre l’invention et la pratique. Dans cet article, je vous propose de faire connaissance avec ce grand nom de la photographie.

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Hippolyte Bayard, inventeur

Bayard est né en 1801 à Breteuil-sur-Noye, dans l’Oise. Il démarre sa carrière professionnelle en tant que clerc de notaire. En 1825 il rejoint la région parisienne. Il entre au ministère des finances où il aura un statut modeste.

Son attirance pour les milieux artistiques lui permet d’être informé des recherches héliographiques de Niepce et Daguerre. Il réalise lui-même des essais qu’il note soigneusement dans ses cahiers.

Dès 1839, il réalise des reproductions sur papier. En juillet, il les expose à une fête de charité organisée au profit des victimes du tremblement de terre de la Martinique. Il présente au public 30 photos de natures mortes et d’architecture. Son procédé est révolutionnaire mais c’est Daguerre, plus influent, qui aura les faveurs officielles.

Les tirages sur papier

Le procédé sur papier de Bayard et Talbot est innovant. Il offre la possibilité, à partir du négatif, d’obtenir autant d’épreuves positives que l’on souhaite. Et puis, le calotype, plus sensible à la lumière que le daguerréotype, permet de faire des images plus rapidement.

L'exposition, lumière

Hippolyte Bayard, La noyade

Bayard est amer. Pour son invention, le gouvernement lui a versé 600 francs alors que Daguerre recevra une rente annuelle de 10 000 francs.

En 1840, il met en scène sa propre mort par noyade pour protester contre cette injustice. Cette image morbide constituera la première mise en scène photographique. Au dos de la photo, Bayard a écrit ce texte :

« Le cadavre du Monsieur que vous voyez ci-derrière est celui de M. Bayard, inventeur du procédé dont vous venez de voir ou dont vous allez voir les merveilleux résultats. À ma connaissance, il y a à peu près trois ans que cet ingénieux et infatigable chercheur s’occupait de perfectionner son invention.
L’Académie, le Roi et tous ceux qui ont vu ces dessins que lui trouvait imparfaits les ont admirés comme vous les admirez en ce moment. Cela lui fait beaucoup d’honneur et ne lui a pas valu un liard. Le gouvernement qui avait beaucoup trop donné à M. Daguerre a dit ne rien pouvoir faire pour M. Bayard et le malheureux s’est noyé. Oh ! instabilité des choses humaines ! Les artistes, les savants, les journaux se sont occupés de lui depuis longtemps et aujourd’hui qu’il y a plusieurs jours qu’il est exposé à la morgue personne ne l’a encore reconnu ni réclamé. Messieurs et Dames, passons à d’autres, de crainte que votre odorat ne soit affecté, car la figure du Monsieur et ses mains commencent à pourrir comme vous pouvez le remarquer. »

Hippolyte Bayard, la noyade

Hippolyte Bayard, photographe

Hippolyte Bayard les moulins de la tour
La mission héliographique

Ouvrage d’Anne de Mondenard, édité en 2002 aux éditions de patrimoine : « La mission héliographique – Cinq photographes parcourent le France en 1851 »

Malgré les difficultés qu’il a connues au niveau de la reconnaissance de son invention, Bayard aura une véritable carrière de photographe, tout en restant employé au ministère des finances.

Il emploiera le plus souvent le procédé du calotype inventé par William Henri Fox-Talbot, qui et proche de sa propre invention. Bayard présente ses photographies dans les expositions universelles. Il recevra une médaille d’argent en 1849.

Combinaison de deux négatifs

Bayard a mis au point un procédé qui consiste à combiner deux négatifs, un pour le ciel, l’autre pour le paysage. Cette superposition permet d’avoir les deux parties de l’image avec des expositions différentes. Gustave Le Gray utilisera également cette méthode pour ses marines.

La mission héliographique

En 1851, Hippolyte Bayard est membre fondateur de la mission héliographique. Qui deviendra la Société Française de Photographie en 1854.

Il fait partie des 5 photographes mandatés par les monuments historiques, sous la direction de Prosper Mérimée, pour faire un état des lieux du patrimoine architectural français. Pour cette mission, il utilise le calotype, il opère en Normandie. Contrairement aux autres photographes, aucune de ses photographies n’a été retrouvée.

Fin de carrière, reconnaissance

Hippolyte Bayard reste employé au ministère des finances jusqu’à sa retraite, en 1863.

Entre temps, il ouvre un atelier rue de la Madeleine à Paris, associé avec Bertall (de son vrai nom : Charles Constant Albert Nicolas d’Arnoux de Limoges Saint-Saëns. On comprend pourquoi il l’a abrégé !). Ils exerceront de 1860 à 1866, puis Bertall continuera seul.

La Société Française de Photographie conserve de nombreuses photographies de Bayard (Quartier des Batignolles à Paris, natures mortes, jardins, autoportraits et également sa ville natale de Breteuil-sur-Noye…)

Si en France, on ne promeut pas l’œuvre d’Hippolyte Bayard, il est toutefois Chevalier de la Légion d’honneur. Dans sa ville natale, l’école primaire porte son nom.

Paradoxalement, il est plus reconnu aux États-Unis, en Amérique du Sud ou au Japon.

Hippolyte Bayard s’est éteint à Nemours le 14 mai 1887.

Hippolyte Bayard, jardins

Conclusion

Hippolyte Bayard

Voici l’histoire du quatrième inventeur de la photographie. Vous pouvez relire les articles consacrés aux autres pionniers dans la rubrique : Les grands noms de la photographie

La paternité de l’invention est disputée. Pour moi, chacun de ces quatre hommes a apporté une pierre angulaire à l’édifice.

Pour en savoir plus sur Hippolyte Bayard, voici un ouvrage en français de 144 pages écrit par un collectif. Michel Poivert a rédigé l’introduction.

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Lisette Model

Lisette Model, portrait

Lisette Model, photographe américaine d’origine autrichienne va marquer de son empreinte le médium. Elle initiera, avec Berenice Abott entre autres, le premier mouvement féminin de la photographie américaine.

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Lisette, naissance à Vienne

C’est sous le nom d’Élise Amélie Felicie Stern, que la future photographe Lisette Model a vu le jour, à Vienne, le 10 novembre 1901.

Son père d’origine italienne, est médecin, d’abord dans l’armée autrichienne puis à la Croix-Rouge. Sa mère est française et catholique. Lisette sera baptisée dans ce rite, bien que son père soit juif. D’ailleurs, devant la montée de l’antisémitisme (déjà !) la famille abandonnera le nom de Stern pour celui de Seybert en 1903.

La première vocation de Lisette Seybert sera la musique et le chant. Elle étudiera le piano avec le compositeur Arnold Schönberg, professeur qui a eu une grande influence dans sa vie. À la mort de son père, en 1924, elle quittera Vienne pour Paris.

Lisette à Paris

À Paris, Lisette va étudier le chant avec la soprano polonaise Maria Freund. Elle rencontre son futur mari, peintre français d’origine russe Evsa Model

Lisette Model et la photographie

À partir de 1933, Lisette abandonnera la musique pour se consacrer à l’étude des arts visuels. Elle suivra d’abord les cours de peinture d’André Lhote, puis sous l’influence de sa sœur, Olga Seybert, photographe professionnelle, elle s’intéressera à ce médium.

Lisette sera d’abord formée par Rogi André (épouse d’André Kertész) Dès 1934, le style Lisette Model prendra forme. Elle réalisera une série de photographies sur la promenade des anglais à Nice, lors d’une visite à sa mère, qui réside sur la Côte d’Azur. Ce sont des portraits de rue, bien cadrés, souvent captés clandestinement. Ils montrent la bourgeoisie sans concession, dans des attitudes peu flatteuses. Ils sont une rupture avec les poses longues des photographies du XIXème et début du XXème siècle.

Lisette Model Nice Riviera

À partir de 1937, c’est Florence Henri, peintre et photographe qui sera son mentor.

Les magazines Lilliput et Regards publieront les photographies de rue de Lisette.

En 1937, elle se marie avec Evsa. Devant la montée du nazisme, ils quitteront la France pour New-York en 1938.

Lisette Model aux États-Unis

Lisette et Evsa vont fréquenter le milieu de l’avant-garde new-yorkaise. Ils rencontreront Alexey Broovitch, qui permettra à Lisette de publier régulièrement ses photos dans Harper’s Bazaar.

Les années 1940

Lisette Model adhère à la New-York Photo League,  et côtoiera  Ralph Steiner, Berenice Abbott, Beaumont Newhall,  et Ansel Adams.

Ralph Steiner est éditorialiste au magazine PM’S Weekly. Les photos de Lisette prises en France y seront publiées, et elle est engagée comme photographe.

Le Muséum of Modern Art de New-York achètera des photos de Lisette qui seront exposées auprès de celles de Bill Brandt ou Harry Callahan.

Lisette Model Baigneuse

Ses œuvres intègrent le style de l’école de New-York partagée entre deux tendances contradictoires : le documentaire social de la Photo League et le style journalistique sophistiqué de certains magazines. Lisette Model sera à la fois reconnue par ses confrères et par les directeurs de magazine. Invitée sur la côte ouest des États-Unis, elle réalisera de nombreux portraits de célébrités.

Lisette Model enseignante

Après un passage à la California School of Fine Arts de San Francisco en 1949, 1950, Lisette Model sera professeur à la New School for Social Research de New York. Elle y enseigne la photographie de même que son amie Berenice Abott. Elle aura comme élève célèbre Diane Arbus en 1957, Larry Fink et Eva Rubinstein, fille du pianiste Arthur dans les années 1960.

Lisette Model enseignera jusqu’à sa mort qui surviendra le 30 mars 1983 à New York.

L’œuvre de Lisette Model  

Le style de Lisette Model est dynamique, moderne, réaliste. Il contraste avec les photographies du XIXème et début du XXème siècle et les techniques qui imposaient des poses longues. Lisette privilégie des cadrages serrés, les contrastes exagérés, l’utilisation récurrente du flash. Elle a parfois recours à la contre-plongée.

Les thèmes sont des documentaires sociaux. Elle produira des séries avec des photos de rue prises à Nice ou à Paris pendant sa période française. Aux États-Unis se sera Wall Street, Lower East Side, Coney Island ou l’Opéra de San Francisco.

C’est une photographe ironique, irrévérencieuse, capable de capturer dans ses clichés les aspects les plus grotesques de la société américaine d’après-guerre.

Lisette model Little Man

La série Reflections (1939 à 1945) montre les reflets des passants et des immeubles dans les vitrines. Les séries Running legs, jeux de jambes (1940 – 1941) et Pedestrians, sont des portraits de personnages anonymes extraits de la foule, (1945). Lisette réalise sa série Jazz en 1952.

Parmi les personnages célèbres dont Lisette a réalisé des portraits on retiendra Frank Sinatra, Georges Simenon, Ella Fitzgerald, Louis Armstrong

Exposition

Je vous rappelle l’exposition organisée par le Musée de la photographie de Charleroi jusqu’au 22 janvier 2023. Tous les détails dans mon article Expositions photographie automne 2022

Bibliographie

Voici trois ouvrages disponibles, consacré à Lisette Model. D’abord une réédition du premier livre écrit sur elle. Sam Stourdzé et Ann Thomas ont écrit le deuxième. Le troisième est l’œuvre de Monica Poggi

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Lisette Model

Livre Lisette Model

Ouvrage réédité à l’occasion du 25ème anniversaire de la mort de Lisette Model. La première édition datant de 1979. Chronologie et biographie mises à jour. Design original de Marvin Israel

Textes en anglais – Éditeur : Aperture – 109 pages – Format : 31 x 39 cm – Relié. Lien commercial :

Lisette Model

Auteurs : Sam Stourdzé et Ann Thomas

Textes en anglais – Éditeur: Leo Scheer en 2002 – 187 pages – broché – Format 22 x 28 cm.

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Grande Mostra Lisette Model

Grande Mostra Lisette Model

Auteur : Monica Poggi

Publié à l’occasion de la première exposition italienne consacrée à Lisette. Ce livre retrace son œuvre.

Texte en anglais et en italien – Éditeur: Silvana en 2021 – 128 pages – broché.

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William Klein

William Klein est décédé le 10 septembre dernier à Paris. Il était peintre, graphiste, photographe et cinéaste. À l’instar de Robert Frank, il s’affranchira des canons traditionnels de la photographie pour faire entrer le médium dans l’art contemporain. Il fut l’auteur de nombreux ouvrages, consacrés en particulier aux grandes métropoles : New-York, Paris, Rome, Moscou, Tokyo…

Il est rare de commencer une biographie par l’annonce du décès. Cet évènement passé presque inaperçu m’invite à écrire cet article. Ce mois de septembre a été marqué par le décès de la reine Elisabeth, deux jours avant celui de William Klein. Ils étaient nés à deux jours d’intervalle, en avril 1926.

Prononcez William Klein (klèïn) comme dans Enstein  

William Klein Portrait

Enfance à New-York

William Klein est né le 19 avril 1926 à New York, où il a grandi et étudié. Il est le fils d’immigrés juifs hongrois. La fabrique de vêtements et les finances de son père s’effondreront dans la crise des années 1930.

Vivant dans un quartier populaire, William souffrira de l’antisémitisme ambiant. Il va trouver refuge dans l’art et les sciences humaines. Dès l’âge de 12 ans, le musée d’art moderne de New-York (Moma), deviendra sa deuxième maison. Il fréquente aussi les salles de cinéma, pour voir les films de Fritz Lang et de Sergueï Eisenstein.

William entre au City College de New-York à 14 ans. Il étudie la sociologie et obtient son diplôme en 1944.

William Klein et la France

Engagé dans l’armée américaine, W.Klein servira en France et en Allemagne, comme opérateur radio. Après sa démobilisation, il choisira de revenir en France dès 1948. Il étudie à la Sorbonne l’histoire de l’art. Il va rencontrer le peintre André Lhote et le cubiste Fernand Léger qui va l’influencer pour bousculer les codes de l’art « bourgeois ». Léger pousse ses élèves à sortir des ateliers pour peindre dans la rue. Plus tard Klein fera sortir des studios ses mannequins pour prendre des photos de mode dans la rue, également.

Rencontre avec Jeanne Florin

Dès son arrivée en France, William Klein va rencontrer celle qu’il considère comme « la plus belle femme qu’il ait jamais vu de sa vie ». Jeanne Florin est un mannequin belge. Ils se sont mariés en 1950. Ils auront un fils, Pierre en 1963 et resteront unis jusqu’à la disparition de Jeanne en 2005.

William Klein en Italie

Influencé par Mondrian et le Bauhaus, William Klein réalise des peintures murales abstraites. L’architecte Angelo Manglarotti remarque ses œuvres et l’invite en Italie.

Au début des années 1950, William réalise dans ce pays de nombreuses peintures murales à la demande de Manglarotti et d’autres architectes. Il collabore en même temps avec le magazine d’architecture italien Domus pour des illustrations obtenues à partir de photographies de ses fresques.

En 1951, il expose au théâtre Piccolo de Milan. Puis en 1952 et en 1953, à la galerie Del Milione, toujours à Milan. Ses images sont floues, très contrastées, avec de grands angles. Le grain du film est grossier. Sa rupture avec les canons traditionnels de la photographie l’ont fait surnommer « l’anti-photographe ».

William Klein expérimente également la juxtaposition de la peinture abstraite et de la photographie.

William Klein, Mohamed Ali

Mohamed Ali, juxtaposition de peinture

William Klein et Vogue

Comme nous le voyons, Klein est un artiste multidisciplinaire, il va s’intéresser également à l’art cinétique. Lors d’une de ses expositions à Paris, Alexander Liberman, rédacteur en chef du magazine Vogue apprécie son travail.

C’est en 1954 que Klein retourne aux États-Unis pour rencontrer Liberman  Débutera sa collaboration avec le magazine Vogue. Il sera engagé comme photographe de mode et recevra des financements pour créer un journal photographique ayant pour objet la ville de New-York.

Le traitement anticonformiste des images, le choix des sujets montrant New-York sous un angle peu flatteur lui vaudront l’hostilité des critiques. « Life Is Good and Good for You in New York » est très mal accueilli. Klein rassemblera alors ses images dans un livre « New-York 1954-55 ». Aucun éditeur américain n’acceptera de le publier. C’est à Paris d’abord qu’il sera édité par le Seuil en 1956. Puis il paraitra en Italie la même année.

Klein va collaborer avec le magazine Vogue jusqu’en 1965, comme photographe de mode. Il bousculera également les habitudes de cette discipline. Les mannequins vont sortir des studios et  les attitudes seront différentes. Finies les démarches de danseuses classiques et les mains définitivement fixées sur les hanches.

Vogue photo de mode

William Klein et le cinéma

Le réalisateur Federico Fellini est à son tour séduit par le travail de Klein sur New York. Il va l’engager comme assistant pour le film « Les Nuits de Cabiria« . William profitera de son séjour à Rome pour publier un ouvrage sur cette ville en 1960.

Rome la nuit

Rome la nuit

En 1965, il abandonne la photographie jusqu’aux années 1980 pour se consacrer au cinéma. Il a réalisé plusieurs documentaires:

  • Broadway by light en 1958, qui sera un des premiers films « Pop »,
  • Who are you Polly Maggoo ? en 1966, satire cruelle sur l’univers de la mode,
  • Mr. Freedom en 1969,
  • Eldridge Cleaver.en 1970,
  • Muhammad Ali the greatest en 1974,
  • The Little Richard story en1979,
  • The Messiah en 1999.

Film de William Klein : qui êtes-vous Polly Magoo

En outre, il a produit plusieurs films pour la télévision française dans les années 1960, et plus de 250 publicités (pour, entre autres, Citroën, Dim, Saupiquet, Renault, Ricqlès…).

Dans les années 1980, il a retrouvé son intérêt pour la photographie. Dans cette période, il utilise de grands angles et des gros plans.

Il publiera plusieurs ouvrages :  Close up en 1989, Torino « 90 » en 1990, In & Out of Fashion en 1994, Paris + Klein en 2000.

C’est Klein qui a illustré la pochette de l’album de Serge Gainsbourg, « Love on the beat » en 1984.

Pochette disque love on the beat
Pochette de l’album « Love on the beat »

Reconnaissance

Le travail de William Klein est reconnu internationalement et il a été récompensé par divers prix.

  • Malgré un accueil mitigé pour ses premiers travaux, il obtient le prix Nadar en 1957,
  • Le prix Jean Vigo en 1988,
  • La société allemande de photographie lui décerne le prix de la culture en 1988,
  • Le prix international de la Fondation Hasselblad en 1990,
  • Médaille du centenaire de la Royal Photographic Society en 1999,
  • Le Lucy Award en 2005, pour l’œuvre de toute une vie,
  • En 2005 toujours, il reçoit le prix Photo España
  • L’Université de Liège le nomme Docteur Honoris Causa en 2010,
  • Il est lauréat de l’ Art Masters à Saint Moritz en 2011
  • Prix pour sa contribution remarquable à la photographie aux Sony World Photography Awards

De nombreuses expositions et rétrospectives ont été organisées dans le monde entier pour présenter ses travaux photographiques et cinématographiques. La dernière intitulée  William Klein : « Yes » à l’International Center of Photography de New York, s’est achevée ce 15 septembre, quelques jours après son décès.

Bibliographie

Je consacrerai prochainement un article spécifique à la Bibliographie de William Klein qui étoffera la librairie de Photo-passions. À bientôt donc.

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Charles Nègre

Charles Nègre était un artiste qui disposait d’une solide formation dans la peinture. Il deviendra  un pionnier de la photographie et développera des techniques de tirages et de retouches pour obtenir des images de haute qualité.

Charles Nègre, peintre

Charles Nègre introduction

Charles Nègre autoportrait 1863 Musée de Nice

Né à Grasse le 9 mai 1820 dans une famille de confiseurs réputée de la ville, Charles se destine très vite à la peinture et part pour Paris en 1839 où il suit les cours des Beaux-arts. Charles intègre le cours de Paul Delaroche où il rencontre Henri Le Secq et Gustave Le Gray qui deviendront ses amis. Il travaillera aussi dans les ateliers de Michel Martin Drolling et de Jean Auguste Ingres. Ses œuvres sont exposées dans des salons parisiens de 1843 à 1864, il obtiendra quelques récompenses.

Sa peinture est diverse : inspiration mythologique, biblique, historique, nus, portraits, paysages méditerranéens. Son style est figuratif, dans le respect des règles académiques de la composition.

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Tout au long de sa vie, Charles pratiquera la peinture et revendiquera son statut de peintre. Beaucoup de ses œuvres picturales sont présentes au Musée d’art et d’histoire de Provence à Grasse (comme Léda et le cygne) d’autres sont visibles au Musée Ingres de Montauban.

Charles Nègre : Léda et le cygne

Léda et le cygne par Charles Nègre

Charles Nègre, photographe

Comme ses amis peintres Henri Le Secq et Gustave Le Gray, Charles Nègre va s’intéresser à la photographie dès sa présentation, en 1839. Il utilisera ce médium, dans un premier temps pour remplacer les esquisses préalables à la peinture. Puis, à partir de 1850, il pratiquera la photographie pour elle-même. En 1851 il est déçu de ne pas avoir été retenu, comme Le Secq et Le Gray pour la mission héliographique. Il décide de parcourir à son initiative, le département des Alpes-Maritimes, et de photographier de littoral du sud-est.

Au début des années 1850, il ouvre un studio à Paris, dans l’Ile Saint-Louis.  L’état français lui passera plusieurs commandes : photographies de la cathédrale de Chartres, œuvres du Louvre, bâtiments de l’asile impérial de Vincennes.  

Plage des planchettes

Porche sud de la cathédrale de Chartres

Charles, perfectionniste

Si au début Charles reprend les procédés déjà utilisés en photographie, il perfectionnera ses techniques. Ayant de solides connaissances en chimie, il préparait lui-même ses papiers et ses compositions pour les tirages. Ainsi, après avoir expérimenté le daguerréotype, il utilisera le calotype, breveté par William Henry Fox-Talbot en 1841. Ce procédé permet des tirages multiples sur papier. D’autre part, Charles peut intervenir sur le négatif et jouer sur les épreuves, laissant libre cours à sa créativité. Les variations dans les dosages de l’hyposulfite de sodium lui permettent de moduler les tonalités de l’image.

Charles Nègre : les ramoneurs

Les ramoneurs 1851 Musée Carnavalet de Paris

Charles Nègre a été l’initiateur de la photographie de rue. Auparavant, compte-tenu des longs temps de pose, les photographes pratiquaient exclusivement en studio pour les portraits. Nègre n’a pas hésité à aller dans la rue. Il présente des scènes de vie de Paris. Certes il n’a pas pris ses clichés sur le vif, les temps de pose restant longs (1 à 2 minutes). Sa célèbre photographie «Les Ramoneurs» est la première de l’histoire qui présente des personnages en mouvement. En fait, il a demandé aux figurants de s’immobiliser pendant la pose. La composition est conforme à la règle des tiers. On remarque le paysage au fond, qui semble « aquarellé ». Cette image qui fige une scène de vie a suscité l’étonnement à cette époque. Elle initie le rôle qui sera plus tard dévolu au médium : saisir l’instantané.

Le stryge 1853 Musée d'Orsay

Une autre photographie célèbre de Charles Nègre met en scène son ami Henri Le Secq dans la galerie de la tour nord de Notre-Dame. Il est encadré par deux gargouilles. La composition de cette image est remarquable, verticalité du mur à droite, lignes obliques de la galerie qui conduisent au sujet, netteté des contours, arrière-plan sur Paris :

Le Stryge 1853 Musée d’Orsay

Charles, l’inventeur

À  partir de 1854, Charles Nègre utilise l’héliogravure pour améliorer la conservation et le rendu de ses tirages. Il va même déposer en 1856, son propre procédé de « damasquinure et gravure héliographique ». Il prend une plaque d’acier, il la revêt d’un vernis sur lequel il imprime l’image par insolation. Ensuite, il passe la plaque dans un bain d’or. Cette méthode permet d’obtenir des nuances allant du noir au blanc les plus intenses en passant par des valeurs respectant les teintes de l’image originale.

Cette technique permet d’obtenir des images d’une pérennité et d’une finesse exceptionnelles, même dans les grands formats. Charles Nègre va dorénavant se spécialiser dans ces reproductions héliographiques. Entre 1856 et 1857, il va réaliser, dans le cadre de sa commande d’état, des planches de la cathédrale de Chartres, de grandes dimensions et d’une qualité graphique exceptionnelle. Il s’agit d’un chef d’œuvre de l’héliogravure.

Retour au pays

Ayant des ennuis de santé, Charles Nègre quitte Paris à la fin de 1861. Il s’installe à Nice où il sera professeur de dessin au Lycée impérial de 1863 à 1878.

Dans un même temps, il va ouvrir un studio de photographie qui connaîtra un certain succès. Il aménage son atelier avec goût : mobilier, tapis, tentures murales de qualité… Il réalise des tirages sur papier salé et albuminé de petit ou moyen format qu’il recolle souvent sur un papier plus épais.

Malgré toutes ces occupations Nègre trouvera du temps pour réaliser des photos de la ville de Nice et de ses environs. Comme pour les portraits, les compositions de ses paysages sont très soignées. Il veut proposer à sa clientèle des documents de qualité, il monte sur les collines environnantes pour prendre des vues plongeantes de la ville. Il photographie également les bâtiments et sites typiques de la ville de Nice. Les personnages qui font la vie de la cité sont également présents sur ses clichés.

Charles Nègre vue de Nice

Vue de Nice depuis la colline Saint Philippe

Djerash photo de Louis Vigne héliogravure de Charles Nègre

Le duc de Luynes a dirigé en 1864 une expédition en Palestine, Jordanie, Syrie et Liban. Louis Vignes l’a accompagné pour prendre des photographies. C’est à Charles Nègre  que la reproduction de 64 de ces photographies sur plaques héliogravées a été confiée. Elles seront publiées entre 1871 et 1874.

Charles n’a pas abandonné la peinture : il continue cette activité en peignant des paysages à l’huile sur papier. Marseille, Saint Raphaël, Grasse, Nice, Antibes, Menton avec la lumière de Provence … sont ses sujets de prédilection.

En 1878, il quittera Nice pour Grâce où il s’éteindra le 16 janvier 1880.

Bien qu’il se soit toujours considéré comme un peintre Charles Nègre est un grand nom de la photographie.

Le nom du Musée de la photographie de Nice.

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Roger Jourdain

Roger Jourdain revendique son statut de photographe amateur. Pourtant, il a décroché deux fois le titre « Best of the best photographer » décerné par la FIAP en 2016 et 2017. La photographie n’est pas son métier, c’est sa passion. Il l’a vécue dans le monde entier et il nous permet de voyager avec lui, en feuilletant les albums de ses nombreuses photographies. Merci Monsieur Jourdain.

Photo-passions

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Qui est Roger Jourdain ?

Roger Jourdain est né en 1948 à Vigneux-sur-Seine, en région parisienne. Sa famille s’est installée en Auvergne, alors qu’il était adolescent. Il a fait des études de chimie au Lycée technique de Montluçon.

Parc des volcans

Parc des volcans d’Auvergne

Pour avoir de l’argent de poche, il effectuait des petits travaux chez les agriculteurs voisins. Il consacrait ses petits pécules à sa passion : la photographie. Dès l’âge de 12 ans, il a commencé à prendre des photos : la famille, la nature, les fleurs étaient ses modèles. Puis c’est à 15 ans qu’il a créé son premier laboratoire de développement en utilisant les moyens du bord, en particulier les vieux ustensiles de cuisine de la famille !

La carrière professionnelle de chimiste de Roger Jourdain s’est déroulée entièrement chez Roussel Uclaf (qui deviendra Sanofi). Il a occupé plusieurs postes : chimiste, responsable de la micro-informatique, responsable de l’automatisation. Ses succès dans la photographie lui permettront d’occuper pendant les 5 dernières années de sa carrière le poste de « responsable technique de la Communication ». Et à ce titre : vidéaste – photographe officiel de Sanofi.

La Photographie

Comme nous l’avons vu Roger a toujours été passionné par la photographie. Il a consacré ses premières piécettes à l’achat de ses premiers appareils. Le matériel qu’il utilise aujourd’hui laisse penser qu’il a toujours investi dans le meilleur.

Roger Jourdain, chasseur d'images

Roger Jourdain, chasseur d’images

Roger a toujours étudié la pratique de l’art photographique : adhésion à des clubs photos, participation à de nombreux concours en France. Avec le club photo entreprise de Sanofi (ASRU Cinéphoto Vertolaye),  il a remporté 5 fois la coupe de France en diapositives couleurs et 3 fois la coupe de photographies « Nature ».

Puis il a voulu tenter les concours internationaux. Sans succès au début, il n’a pas baissé les bras. Il a étudié les approches sociologiques, culturelles de l’image dans les différents pays où il concourrait. Roger Jourdain nous dit : « La photographie c’est de l’art. L’art est lié à la culture, et la culture est différente dans chaque pays. Nous devons respecter la culture de chaque pays».

Roger Jourdain, Globe-trotter

Roger Jourdain a parcouru la planète en tous sens, visité 49  pays sur les 5 continents, effectué en particulier 30 safaris en Afrique. Il a ramené de ses voyages de nombreuses photos. Sa photothèque compte plus de 350 000 images et 42 000 diapositives. Je vous propose un bref tour du monde en photos dans le diaporama ci-dessous.

  • Roger Jourdain Spain-Castildeltierra
  • Croatia-Dubrovnik
  • Roger Jourdain Greece-Meteores
  • Roger Jourdain Moulins de Mykonos
  • Russia-Moscow Kremlin
  • Roger Jourdain Tanzanie
  • Désert de Namibie
  • India-Jaisalmer
  • Roger Jourdain Peru-Titicaca lake
  • Peru-Machu Picchu
  • Roger Jourdain Brazil-Iguazu falls
  • Arches National Park, dans l'Utah.
  • Roger Jourdain USA-Monument-Valley

Maintenant, sa notoriété vaut à Roger d’être accueilli dans de nombreux pays (Etats Unis, Chine, Indonésie, Russie, Serbie…) Lors de conférences, il présente son travail, un diaporama de ses réalisations puis une séance de questions-réponses.

L’œuvre de Roger Jourdain

Dans mon article présentant l’exposition chalonnaise «Roger Jourdain, passionnément Nature» on a pu voir un échantillon de photographies de la nature et de la faune sauvage.

Chabrieres-wolves

Chabrieres-wolves

Mais l’œuvre de Roger est très vaste et très diversifiée : portraits, voyages, musique, sports, vieux métiers, bikers, etc.

Je vous encourage à visiter le site « Roger Jourdain, photographe » dans lequel vous découvrirez plus de 12 000 photographies, des vidéos, une interview dans les studios de RCF, des témoignages… Je vous joins également le lien vers la page Facebook de Roger.

Vous voyagerez au Pérou sur la musique des Andes, vous garderez les troupeaux avec les bergers Massaïs, vous danserez avec les loups de Chabrières, vous circulerez sur les routes d’Auvergne en Harley Davidson…

Roger Jourdain Biker-concentration-Crusaders

Biker-concentration-Crusaders

Et si comme moi vous aimez le « BEAU », vous apprécierez surtout la qualité des images, les compositions parfaites, les couleurs vives, les captures de l’instant décisif, les gerbes de gouttelettes d’eau, la galaxie Damascus…

(Du vrai bonheur après toutes ces expositions anxiogènes de photos floues, non cadrées, de sujets sans intérêt qui n’ont que la laideur comme ligne directrice).

L’instant décisif

L’expression « photographe de l’instant décisif » a été employée pour Henri Cartier-Bresson au XXème siècle. Je n’ai pas trouvé de meilleure formule pour qualifier certaines photographies de Roger Jourdain. Je vous propose une sélection d’images qui saisissent cet instant décisif : gerbes d’eau ou de feu, moto volante, trapéziste, cavaliers, danseurs, mouvements suspendus sans jamais de perte de netteté.

  • Eleftheria-Greek-young-woman
  • Mexican-dancers
  • Indonesia-Horseman
  • Sabrina-horsewoman
  • Roger Jourdain Amar circus-trapezist
  • African-Rollier
  • Ecopôle du Forez
  • Aigle-ravisseur-en-chasse
  • Aigle pêcheur
  • Roger Jourdain FMX-Pedro-Moreno
  • Roger Jourdain Zeus damascus

Les récompenses

Roger Jourdain est membre de la Fédération Photographique de France, membre de la Fédération Internationale de l’Art Photographique (FIAP), membre de la Global Photographic Union.

Il collectionne les prix nationaux et internationaux. C’est au total plus de 1900 récompenses qu’il a récoltées dans les concours.

Ce photographe « amateur » a obtenu le titre prestigieux de meilleur photographe du monde en 2016 et en 2017. Ce prix « Best of the best photographer »  lui a été décerné par la Fédération Internationale de l’Art Photographique. Il est le premier français à l’avoir décroché, et le premier européen à l’avoir obtenu deux fois.

Prisca Smile Tanzania

Prisca Smile Tanzania

La FIAP est la seule organisation liée à la photographie reconnue par l’Unesco. Pour obtenir le titre de « Best of the best photographer » en 2016, Roger Jourdain a participé à 232 concours dans 95 pays différents, répartis sur les 5 continents. Il a obtenu 32 fois le titre de meilleur auteur dans ces concours. Je précise que la FIAP demande aux compétiteurs de présenter un maximum de 6 sections de 4 photographies, soit 24 photographies pour chaque concours. La FIAP gère 2 000 000 de photographes dans 95 pays du monde.

Transparence

Je précise qu’à part ses deux portraits, toutes les photographies qui illustrent cet article sont l’œuvre de Roger Jourdain. Elles sont publiées avec son autorisation. Elles restent sa propriété exclusive et ne peuvent en aucun cas être reproduites sans son accord.

Je terminerai par un grand merci à Roger Jourdain pour ces belles images et pour le partage de ses aventures.

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Ansel Adams

Ansel Adams

(1902 – 1984)

Ansel Adams est né dans une famille aisée de San Francisco. Peu motivé par les études, il commença à photographier la vallée de Yosemite dès l’âge de 14 ans, avec un Brownie d’ Eastman Kodak (appareil en carton, bon marché).

Passionné d’environnement, Adams est réputé pour ses photographies paysagères, en particulier de l’ouest américain. Il a également réalisé des portraits, des natures mortes et des photos documentaires.

Technicien chevronné,  il a expérimenté avec Fred Archer le «zone system». Cette technique permet de déterminer l’exposition correcte et l’ajustement du contraste sur le tirage final. La bonne répartition de la lumière, la qualité des nuances de gris sont la marque de fabrication d’ Adams et de ceux à qui il a enseigné cette technique.

Photo-passions

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Ansel Adams - Mirror Lake

Mirror Lake © Ansel Adams

Le groupe f/64

En 1932, Adams et d’autres photographes californiens (Edward Weston et Imogen Cunningham, en particulier) ont fondé le groupe f/64. Leur projet était de promouvoir leur vision de la photographie. Ils souhaitaient se libérer des modes de l’époque et des contraintes  que les arts graphiques s’imposaient.

Leur vision était une reproduction aussi précise et objective de la réalité, sans manipulation ultérieure (comme les pratiques du pictorialisme). Cette tendance est nommée la «Straight photography» (photographie pure).

Le groupe f/64 a en outre mis en place le département photographie au Museum of Modern Art.

Ansel Adams - Cathedral Peak and Lake

Cathedral Peak and Lake © Ansel Adams

La galerie Ansel Adams

Située au cœur du parc du Yosemite, la galerie présente, outre A.Adams, une vingtaine d’artistes, dont les œuvres sont en rapport avec les paysages et l’âme du parc national et de l’Ouest américain. Plusieurs photographes présentés sont d’anciens assistants d’Adams.

La galerie organise des expositions, des ateliers, des stages de photographie dans le parc. Tentant, n’est-ce pas?

Pour en savoir plus, vous pouvez cliquer sur le bouton ci-dessous :

Galerie Ansel Adams

Galerie Ansel Adams

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