Catégorie : Les grands photographes

Robert Doisneau et la guerre

Insurrection de Paris © Robert Doisneau

Mobilisé en Alsace en 1939, RD reviendra dans un Paris occupé. Ses talents de graveur lui serviront pour réaliser de faux papiers pour la résistance pendant toute la période de l’occupation. Il aura parallèlement quelques commandes pour des publicités et des portraits.

En août 1944, pendant le soulèvement de la capitale, il parcourra les rues sur sa bicyclette, appareil photo en bandoulière. Il photographiera avec frénésie les combats et la libération de la capitale. 

De Gaulle 26 août 1944 © Robert Doisneau

Après-guerre, années 1950

C’est après la guerre que Robert Doisneau deviendra photographe indépendant et connaîtra la notoriété. Il rejoint en 1946  l’Agence Rapho et va réaliser de nombreux reportages à Paris, en Province mais également à l’étranger : URSS, États-Unis, Canada, Yougoslavie, Japon. Ses travaux seront publiés dans de nombreux magazines : New-York Times, Life, Paris-Match, Réalités, Point de vue, Regards, etc. D’ailleurs sa photographie la plus célèbre : Le baiser de l’hôtel de ville a été prise dans le cadre d’une commande pour le magazine Life.

Photographie prise à partir de la terrasse d’un café: un couple s’embrasse, indifférent aux passants qui l’entourent. L’Hôtel de Ville de Paris est en arrière-plan. © Robert Doisneau 1950

Robert Doisneau en Province

Le photographe a fait de nombreux voyages en France: l’Alsace où il est retourné dès 1945, Lyon, la Bretagne, le Sud-Ouest, le Périgord, les Alpes, le Limousin, le Lot… (il allait régulièrement en vacances à Saint-Céré, de 1930 à la fin de sa vie). Il publiera de nombreux albums sur ces voyages. Nous en retrouverons certains dans mon prochain article : la bibliographie Robert Doisneau.

En 1947, Doisneau rencontre Robert Giraud. Ça sera le début d’une longue amitié et d’une collaboration importante : ils publieront 30 albums, dont La Banlieue de Paris en 1949, avec les textes de Blaise Cendrars.

Toujours en 1947, Robert Doisneau se rend en URSS avec le journaliste Pierre Gascar. Ils documenteront ensemble la vie des soviétiques. Photographies de rue, d’usines, d’écoles, de monument et de personnages illustres (Staline, Gorki…)

De 1948 à 1953, Doisneau va être collaborateur permanent au magazine Vogue. Pendant cette période, il fera la rencontre de Jacques Yonnet. Ses photographies illustreront l’ouvrage de l’écrivain : Enchantements de Paris, paru aux éditions Denoël en 1954. Pour la petite histoire, l’auteur n’a pas du être enchanté très longtemps puisqu’il a changé le titre en Rue des maléfices.

À cette période Doisneau est déjà un photographe reconnu. Des galeries et musées new-yorkais (dont le MoMA en 1951 et 1954) exposent ses œuvres en compagnie de celles d’autres photographes français du mouvement humaniste : Brassaï, Ronis, Izis, Cartier-Bresson. En 1954, l’Art Institute de Chicago organise sa première exposition individuelle.

Pourtant Doisneau n’a pas encore traversé l’atlantique. Ce sera chose faite au prochain paragraphe !

Expositions

Doisneau a vécu de sa passion. Il n’a pas connu l’opulence mais il a été très vite reconnu comme un grand photographe. Il n’est pas possible de lister toutes les expositions qui lui ont été consacrées. Nous avons vu plus haut que dès les années 1950, de grands musées des États-Unis ont exposé ses photos. Je citerai en outre, les Rencontres d’Arles où il fut l’invité d’honneur en 1975. En 1986 Arles présente : De Vogue à femmes, Robert Doisneau puis Hommage à Robert Doisneau en 1994.

En 1992, le Modern Art d’Oxford organise une rétrospective de son œuvre, la dernière de son vivant. Aujourd’hui encore ses photos font l’objet de nombreuses expositions, en collaboration avec l’Atelier Robert Doisneau.

Il a vécu avec sa famille plus d’un demi-siècle dans le même appartement, à Montrouge. Ses filles Annette et Francine ont gardé ce lieu dans lequel elles conservent les 450 000 négatifs laissés par leur père. L’Atelier propose des expositions à la location. Nous pouvons d’autre part consulter de nombreuses photos sur le site :

Les Honneurs

Portrait Montrouge 1992 © Bracha L. Ettinger

Robert Doisneau recevra de nombreux prix pour son œuvre, entre autres :

• Le Prix Kodak en 1947,
• Le Prix Niepce en 1956.
• Le Prix du livre des Rencontres d’Arles pour L’Enfant et la Colombe en 1979
• puis pour Trois secondes d’éternité en 1980
• Le Grand Prix national de la photographie en 1983
• Le Prix Balzac en 1986.

Plusieurs établissements scolaires, des centres culturels portent son nom, ainsi que la Maison de la Photographie à Gentilly. Je citerai également la gare désaffectée de Carlux en Dordogne. C’est ici qu’il a pris des clichés «SNCF» pour illustrer son ouvrage : Les grandes vacances.

Berenice Abbott, la jeunesse

Berenice est née le 17 juillet 1898 à Springfield dans l’Ohio. Elle a vécu une enfance difficile dans une famille déchirée, qu’elle a quittée dès ses 19 ans.

Elle fera des études de journalisme à l’université de l’Ohio puis aux Beaux-Arts de New-York. Fréquentant les milieux artistiques et intellectuels new-yorkais, elle rencontre Man Ray et Marcel Duchamp.

Aux Beaux-arts, elle étudie la peinture et la sculpture. En 1921, elle rejoint Paris ou elle travaille dans l’atelier d’Antoine Bourdelle, puis chez Constantin Bracusi. Ensuite, elle ira à Berlin où elle étudiera à la Kunstschule. Elle ne connaîtra pas de succès dans ces matières artistiques et acceptera, de retour à Paris d’être l’assistante de Man Ray.

Paris – Studio

Paris, Eugène Atget

Berenice Abbott rencontre Atget en 1925. Il a alors 70 ans et n ‘est pas en bonne santé. Fascinée par la modernité de ses travaux, elle lui achète quelques tirages. Berenice fera son portait en 1927. Eugène Atget ne verra jamais cette ultime photographie où il apparaît très affaibli. Il est mort très peu de temps après la prise de vue. Abbott ayant à cette période une situation financière confortable, en profite pour acheter toutes les archives d’Eugène Atget, jusqu’alors négligées. Elle ne cessera de promouvoir son œuvre en écrivant des livres et en organisant des expositions.

Pour en savoir plus sur ce photographe parisien, mon article : Eugène Atget

Berenice Abbott, Changing New-York

La vie n’est pas facile pour Berenice à New-York : sa renommée parisienne ne l’a pas suivie. La concurrence est rude et son style réaliste, précis, sans compromis n’est pas dans l’air du temps. Le pictorialisme, dont Alfred Stieglitz est le porte-drapeau, est à son apogée. La grande dépression du début des années 1930 empire la situation financière de Berenice Abbott.

Elle finira par obtenir un poste d’enseignante de photographie en 1935 qui lui assurera un revenu fixe.

Son projet Changing New-York n’aboutira qu’en 1937 par une exposition au musée de la ville de New-York. Une publication dans le magazine Life suivra, ainsi qu’un livre, en 1939.

Encouragée par cette notoriété, Abbott continuera de promouvoir l’œuvre d’Eugène Atget ainsi que celle de Lewis Hine. C’est à cette époque qu’elle a rencontré ce photographe américain dédaigné par le microcosme new-yorkais. 

Berenice Abbott, photographe scientifique

Dès le début des années 1940, Abbott proposera des reportages de photographie scientifique. Elle veut faire découvrir la science à ses contemporains. Il lui faudra attendre près de 20 ans pour obtenir une collaboration avec le Massachusetts Institute ot Technology et réaliser ce projet. En pleine guerre froide, les États-Unis ont compris qu’il fallait encourager la recherche scientifique.

Au début des années 1960, Berenice Abbott va quitter New-York pour s’installer dans le Maine. Elle pratique moins la photographie, pourtant elle produit une série de photos prises le long de la route n°1, le long de la côte Est.

Pendant cette période, elle se consacre à l’écriture. The world of Atget est publié en 1964, suivi de livres documentaires techniques. Comme ses modèles, Eugène Atget et Lewis Hine, elle connaîtra une « traversée du désert »  et tombera dans l’anonymat.

C’est dans les années 1970 que la reconnaissance viendra. Elle obtiendra de nombreux prix et récompenses.

Berenice Abbott s’est éteinte le 9 décembre 1991 à Monson dans le Maine

La personnalité de Berenice Abbott, photographe

Comme nous l’avons vu, Abbott était en marge des modes de son époque. Femme indépendante, ce qui n’était pas courant au début du XX^ème siècle, elle représente avec Lisette Model les femmes fondatrices de la New-York Photo League. Cette organisation, fondée en 1936, rassemble des photographes documentaires.

Au fil des biographies, nous voyons que de nombreux photographes de la fin du XIX^ème, début du XX^ème siècle ont fait leurs premières armes dans la peinture. Nous le constatons dans les sujets : natures mortes, portraits dans des décors élaborés et dans les tirages. Le post-traitement des photos en laboratoire permettait de personnaliser les œuvres.

Quand Berenice est revenue à New-York en 1929, la mode était encore au pictorialisme, courant emmené par Alfred Stieglitz. 

La conception de Berenice Abbott est différente. Elle se veut documentaire, rigoureuse, précise. Pour elle la photographie ne doit pas imiter la peinture par ses compositions et ses manipulations, elle doit être témoin de l’instant. Elle dira à la sortie de Changing New-york

« Le rythme de la ville n’est ni celui de l’éternité ni celui du temps qui passe mais de l’instant qui disparaît.

C’est ce qui confère à son enregistrement une valeur documentaire autant qu’artistique. »

Berenice Abbott

C’est bien sûr, ce caractère authentique que Berenice a apprécié dans les œuvres d’Atget et de Hine. Le passé n’est pas nostalgique : fixé par la photographie, il est à sa place.

La bibliographie de Berenice Abbott

De nombreux livres ont été écrits par Abbott, et à son sujet. Je vous propose un prochain article pour en faire une synthèse :

Conclusion

Nous perpétuerons au fil des décennies ce débat entre la photographie documentaire, précise, rigoureuse et la photographie mise en scène, retouchée, manipulée. Nous venons de voir que cette dualité existait à l’époque de Berenice Abbott entre les adeptes du pictorialisme et ceux de la photographie directe ( Straight Photography). Au siècle du numérique, le choix des prises de vue en mode RAW impose le post-traitement. Par conséquent, l’opérateur met sa touche finale au grand dam de certains qui décrient la « photo retouchée ».

Concevons que la photographie de reportage soit rigoureuse, exacte. Elle est un témoignage et se doit authentique. Concevons que certains prennent des vues pour garder l’instant T en mémoire, et qu’ils ne voient pas la nécessité de retoucher leurs prises de vue. Mais  acceptons que d’autres puissent retravailler leurs photos pour leur donner l’aspect qu’ils souhaitent.

Je ne le dirai jamais assez la bonne photographie est celle que nous voulons faire (prendre et post-traiter)

Lisette, naissance à Vienne

C’est sous le nom d’Élise Amélie Felicie Stern, que la future photographe Lisette Model a vu le jour, à Vienne, le 10 novembre 1901.

Son père d’origine italienne, est médecin, d’abord dans l’armée autrichienne puis à la Croix-Rouge. Sa mère est française et catholique. Lisette sera baptisée dans ce rite, bien que son père soit juif. D’ailleurs, devant la montée de l’antisémitisme (déjà !) la famille abandonnera le nom de Stern pour celui de Seybert en 1903.

La première vocation de Lisette Seybert sera la musique et le chant. Elle étudiera le piano avec le compositeur Arnold Schönberg, professeur qui a eu une grande influence dans sa vie. À la mort de son père, en 1924, elle quittera Vienne pour Paris.

Lisette à Paris

À Paris, Lisette va étudier le chant avec la soprano polonaise Maria Freund. Elle rencontre son futur mari, peintre français d’origine russe Evsa Model

Lisette Model et la photographie

À partir de 1933, Lisette abandonnera la musique pour se consacrer à l’étude des arts visuels. Elle suivra d’abord les cours de peinture d’André Lhote, puis sous l’influence de sa sœur, Olga Seybert, photographe professionnelle, elle s’intéressera à ce médium.

Lisette sera d’abord formée par Rogi André (épouse d’André Kertész) Dès 1934, le style Lisette Model prendra forme. Elle réalisera une série de photographies sur la promenade des anglais à Nice, lors d’une visite à sa mère, qui réside sur la Côte d’Azur. Ce sont des portraits de rue, bien cadrés, souvent captés clandestinement. Ils montrent la bourgeoisie sans concession, dans des attitudes peu flatteuses. Ils sont une rupture avec les poses longues des photographies du XIX^ème et début du XX^ème siècle.

À partir de 1937, c’est Florence Henri, peintre et photographe qui sera son mentor.

Les magazines Lilliput et Regards publieront les photographies de rue de Lisette.

En 1937, elle se marie avec Evsa. Devant la montée du nazisme, ils quitteront la France pour New-York en 1938.

Lisette Model aux États-Unis

Lisette et Evsa vont fréquenter le milieu de l’avant-garde new-yorkaise. Ils rencontreront Alexey Broovitch, qui permettra à Lisette de publier régulièrement ses photos dans Harper’s Bazaar.

Les années 1940

Lisette Model adhère à la New-York Photo League,  et côtoiera  Ralph Steiner, Berenice Abbott, Beaumont Newhall,  et Ansel Adams.

Ralph Steiner est éditorialiste au magazine PM’S Weekly. Les photos de Lisette prises en France y seront publiées, et elle est engagée comme photographe.

Le Muséum of Modern Art de New-York achètera des photos de Lisette qui seront exposées auprès de celles de Bill Brandt ou Harry Callahan.

Ses œuvres intègrent le style de l’école de New-York partagée entre deux tendances contradictoires : le documentaire social de la Photo League et le style journalistique sophistiqué de certains magazines. Lisette Model sera à la fois reconnue par ses confrères et par les directeurs de magazine. Invitée sur la côte ouest des États-Unis, elle réalisera de nombreux portraits de célébrités.

Lisette Model enseignante

Après un passage à la California School of Fine Arts de San Francisco en 1949, 1950, Lisette Model sera professeur à la New School for Social Research de New York. Elle y enseigne la photographie de même que son amie Berenice Abott. Elle aura comme élève célèbre Diane Arbus en 1957, Larry Fink et Eva Rubinstein, fille du pianiste Arthur dans les années 1960.

Lisette Model enseignera jusqu’à sa mort qui surviendra le 30 mars 1983 à New York.

L’œuvre de Lisette Model  

Le style de Lisette Model est dynamique, moderne, réaliste. Il contraste avec les photographies du XIX^ème et début du XX^ème siècle et les techniques qui imposaient des poses longues. Lisette privilégie des cadrages serrés, les contrastes exagérés, l’utilisation récurrente du flash. Elle a parfois recours à la contre-plongée.

Les thèmes sont des documentaires sociaux. Elle produira des séries avec des photos de rue prises à Nice ou à Paris pendant sa période française. Aux États-Unis se sera Wall Street, Lower East Side, Coney Island ou l’Opéra de San Francisco.

C’est une photographe ironique, irrévérencieuse, capable de capturer dans ses clichés les aspects les plus grotesques de la société américaine d’après-guerre.

La série Reflections (1939 à 1945) montre les reflets des passants et des immeubles dans les vitrines. Les séries Running legs, jeux de jambes (1940 – 1941) et Pedestrians, sont des portraits de personnages anonymes extraits de la foule, (1945). Lisette réalise sa série Jazz en 1952.

Parmi les personnages célèbres dont Lisette a réalisé des portraits on retiendra Frank Sinatra, Georges Simenon, Ella Fitzgerald, Louis Armstrong…

Exposition

Je vous rappelle l’exposition organisée par le Musée de la photographie de Charleroi jusqu’au 22 janvier 2023. Tous les détails dans mon article Expositions photographie automne 2022

Bibliographie

Voici trois ouvrages disponibles, consacré à Lisette Model. D’abord une réédition du premier livre écrit sur elle. Sam Stourdzé et Ann Thomas ont écrit le deuxième. Le troisième est l’œuvre de Monica Poggi

Enfance à New-York

William Klein est né le 19 avril 1926 à New York, où il a grandi et étudié. Il est le fils d’immigrés juifs hongrois. La fabrique de vêtements et les finances de son père s’effondreront dans la crise des années 1930.

Vivant dans un quartier populaire, William souffrira de l’antisémitisme ambiant. Il va trouver refuge dans l’art et les sciences humaines. Dès l’âge de 12 ans, le musée d’art moderne de New-York (Moma), deviendra sa deuxième maison. Il fréquente aussi les salles de cinéma, pour voir les films de Fritz Lang et de Sergueï Eisenstein.

William entre au City College de New-York à 14 ans. Il étudie la sociologie et obtient son diplôme en 1944.

William Klein et la France

Engagé dans l’armée américaine, W.Klein servira en France et en Allemagne, comme opérateur radio. Après sa démobilisation, il choisira de revenir en France dès 1948. Il étudie à la Sorbonne l’histoire de l’art. Il va rencontrer le peintre André Lhote et le cubiste Fernand Léger qui va l’influencer pour bousculer les codes de l’art « bourgeois ». Léger pousse ses élèves à sortir des ateliers pour peindre dans la rue. Plus tard Klein fera sortir des studios ses mannequins pour prendre des photos de mode dans la rue, également.

Rencontre avec Jeanne Florin

Dès son arrivée en France, William Klein va rencontrer celle qu’il considère comme « la plus belle femme qu’il ait jamais vu de sa vie ». Jeanne Florin est un mannequin belge. Ils se sont mariés en 1950. Ils auront un fils, Pierre en 1963 et resteront unis jusqu’à la disparition de Jeanne en 2005.

William Klein en Italie

Influencé par Mondrian et le Bauhaus, William Klein réalise des peintures murales abstraites. L’architecte Angelo Manglarotti remarque ses œuvres et l’invite en Italie.

Au début des années 1950, William réalise dans ce pays de nombreuses peintures murales à la demande de Manglarotti et d’autres architectes. Il collabore en même temps avec le magazine d’architecture italien Domus pour des illustrations obtenues à partir de photographies de ses fresques.

En 1951, il expose au théâtre Piccolo de Milan. Puis en 1952 et en 1953, à la galerie Del Milione, toujours à Milan. Ses images sont floues, très contrastées, avec de grands angles. Le grain du film est grossier. Sa rupture avec les canons traditionnels de la photographie l’ont fait surnommer « l’anti-photographe ».

William Klein expérimente également la juxtaposition de la peinture abstraite et de la photographie.

Mohamed Ali, juxtaposition de peinture

William Klein et Vogue

Comme nous le voyons, Klein est un artiste multidisciplinaire, il va s’intéresser également à l’art cinétique. Lors d’une de ses expositions à Paris, Alexander Liberman, rédacteur en chef du magazine Vogue apprécie son travail.

C’est en 1954 que Klein retourne aux États-Unis pour rencontrer Liberman  Débutera sa collaboration avec le magazine Vogue. Il sera engagé comme photographe de mode et recevra des financements pour créer un journal photographique ayant pour objet la ville de New-York.

Le traitement anticonformiste des images, le choix des sujets montrant New-York sous un angle peu flatteur lui vaudront l’hostilité des critiques. « Life Is Good and Good for You in New York » est très mal accueilli. Klein rassemblera alors ses images dans un livre « New-York 1954-55 ». Aucun éditeur américain n’acceptera de le publier. C’est à Paris d’abord qu’il sera édité par le Seuil en 1956. Puis il paraitra en Italie la même année.

Klein va collaborer avec le magazine Vogue jusqu’en 1965, comme photographe de mode. Il bousculera également les habitudes de cette discipline. Les mannequins vont sortir des studios et  les attitudes seront différentes. Finies les démarches de danseuses classiques et les mains définitivement fixées sur les hanches.

William Klein et le cinéma

Le réalisateur Federico Fellini est à son tour séduit par le travail de Klein sur New York. Il va l’engager comme assistant pour le film « Les Nuits de Cabiria« . William profitera de son séjour à Rome pour publier un ouvrage sur cette ville en 1960.

Rome la nuit

En 1965, il abandonne la photographie jusqu’aux années 1980 pour se consacrer au cinéma. Il a réalisé plusieurs documentaires:

• Broadway by light en 1958, qui sera un des premiers films « Pop »,
• Who are you Polly Maggoo ? en 1966, satire cruelle sur l’univers de la mode,
• Mr. Freedom en 1969,
• Eldridge Cleaver.en 1970,
• Muhammad Ali the greatest en 1974,
• The Little Richard story en1979,
• The Messiah en 1999.

En outre, il a produit plusieurs films pour la télévision française dans les années 1960, et plus de 250 publicités (pour, entre autres, Citroën, Dim, Saupiquet, Renault, Ricqlès…).

Dans les années 1980, il a retrouvé son intérêt pour la photographie. Dans cette période, il utilise de grands angles et des gros plans.

Il publiera plusieurs ouvrages :  Close up en 1989, Torino « 90 » en 1990, In & Out of Fashion en 1994, Paris + Klein en 2000.

C’est Klein qui a illustré la pochette de l’album de Serge Gainsbourg, « Love on the beat » en 1984.

Reconnaissance

Le travail de William Klein est reconnu internationalement et il a été récompensé par divers prix.

• Malgré un accueil mitigé pour ses premiers travaux, il obtient le prix Nadar en 1957,
• Le prix Jean Vigo en 1988,
• La société allemande de photographie lui décerne le prix de la culture en 1988,
• Le prix international de la Fondation Hasselblad en 1990,
• Médaille du centenaire de la Royal Photographic Society en 1999,
• Le Lucy Award en 2005, pour l’œuvre de toute une vie,
• En 2005 toujours, il reçoit le prix Photo España
• L’Université de Liège le nomme Docteur Honoris Causa en 2010,
• Il est lauréat de l’ Art Masters à Saint Moritz en 2011
• Prix pour sa contribution remarquable à la photographie aux Sony World Photography Awards

De nombreuses expositions et rétrospectives ont été organisées dans le monde entier pour présenter ses travaux photographiques et cinématographiques. La dernière intitulée  William Klein : « Yes » à l’International Center of Photography de New York, s’est achevée ce 15 septembre, quelques jours après son décès.

Bibliographie

Je consacrerai prochainement un article spécifique à la Bibliographie de William Klein qui étoffera la librairie de Photo-passions. À bientôt donc.

Tout au long de sa vie, Charles pratiquera la peinture et revendiquera son statut de peintre. Beaucoup de ses œuvres picturales sont présentes au Musée d’art et d’histoire de Provence à Grasse (comme Léda et le cygne) d’autres sont visibles au Musée Ingres de Montauban.

Léda et le cygne par Charles Nègre

Charles Nègre, photographe

Comme ses amis peintres Henri Le Secq et Gustave Le Gray, Charles Nègre va s’intéresser à la photographie dès sa présentation, en 1839. Il utilisera ce médium, dans un premier temps pour remplacer les esquisses préalables à la peinture. Puis, à partir de 1850, il pratiquera la photographie pour elle-même. En 1851 il est déçu de ne pas avoir été retenu, comme Le Secq et Le Gray pour la mission héliographique. Il décide de parcourir à son initiative, le département des Alpes-Maritimes, et de photographier de littoral du sud-est.

Au début des années 1850, il ouvre un studio à Paris, dans l’Ile Saint-Louis.  L’état français lui passera plusieurs commandes : photographies de la cathédrale de Chartres, œuvres du Louvre, bâtiments de l’asile impérial de Vincennes.  

Plage des planchettes

Porche sud de la cathédrale de Chartres

Charles, perfectionniste

Si au début Charles reprend les procédés déjà utilisés en photographie, il perfectionnera ses techniques. Ayant de solides connaissances en chimie, il préparait lui-même ses papiers et ses compositions pour les tirages. Ainsi, après avoir expérimenté le daguerréotype, il utilisera le calotype, breveté par William Henry Fox-Talbot en 1841. Ce procédé permet des tirages multiples sur papier. D’autre part, Charles peut intervenir sur le négatif et jouer sur les épreuves, laissant libre cours à sa créativité. Les variations dans les dosages de l’hyposulfite de sodium lui permettent de moduler les tonalités de l’image.

Les ramoneurs 1851 Musée Carnavalet de Paris

Charles Nègre a été l’initiateur de la photographie de rue. Auparavant, compte-tenu des longs temps de pose, les photographes pratiquaient exclusivement en studio pour les portraits. Nègre n’a pas hésité à aller dans la rue. Il présente des scènes de vie de Paris. Certes il n’a pas pris ses clichés sur le vif, les temps de pose restant longs (1 à 2 minutes). Sa célèbre photographie «Les Ramoneurs» est la première de l’histoire qui présente des personnages en mouvement. En fait, il a demandé aux figurants de s’immobiliser pendant la pose. La composition est conforme à la règle des tiers. On remarque le paysage au fond, qui semble « aquarellé ». Cette image qui fige une scène de vie a suscité l’étonnement à cette époque. Elle initie le rôle qui sera plus tard dévolu au médium : saisir l’instantané.

Une autre photographie célèbre de Charles Nègre met en scène son ami Henri Le Secq dans la galerie de la tour nord de Notre-Dame. Il est encadré par deux gargouilles. La composition de cette image est remarquable, verticalité du mur à droite, lignes obliques de la galerie qui conduisent au sujet, netteté des contours, arrière-plan sur Paris :

Le Stryge 1853 Musée d’Orsay

Charles, l’inventeur

À  partir de 1854, Charles Nègre utilise l’héliogravure pour améliorer la conservation et le rendu de ses tirages. Il va même déposer en 1856, son propre procédé de « damasquinure et gravure héliographique ». Il prend une plaque d’acier, il la revêt d’un vernis sur lequel il imprime l’image par insolation. Ensuite, il passe la plaque dans un bain d’or. Cette méthode permet d’obtenir des nuances allant du noir au blanc les plus intenses en passant par des valeurs respectant les teintes de l’image originale.

Cette technique permet d’obtenir des images d’une pérennité et d’une finesse exceptionnelles, même dans les grands formats. Charles Nègre va dorénavant se spécialiser dans ces reproductions héliographiques. Entre 1856 et 1857, il va réaliser, dans le cadre de sa commande d’état, des planches de la cathédrale de Chartres, de grandes dimensions et d’une qualité graphique exceptionnelle. Il s’agit d’un chef d’œuvre de l’héliogravure.

Retour au pays

Ayant des ennuis de santé, Charles Nègre quitte Paris à la fin de 1861. Il s’installe à Nice où il sera professeur de dessin au Lycée impérial de 1863 à 1878.

Dans un même temps, il va ouvrir un studio de photographie qui connaîtra un certain succès. Il aménage son atelier avec goût : mobilier, tapis, tentures murales de qualité… Il réalise des tirages sur papier salé et albuminé de petit ou moyen format qu’il recolle souvent sur un papier plus épais.

Malgré toutes ces occupations Nègre trouvera du temps pour réaliser des photos de la ville de Nice et de ses environs. Comme pour les portraits, les compositions de ses paysages sont très soignées. Il veut proposer à sa clientèle des documents de qualité, il monte sur les collines environnantes pour prendre des vues plongeantes de la ville. Il photographie également les bâtiments et sites typiques de la ville de Nice. Les personnages qui font la vie de la cité sont également présents sur ses clichés.

Vue de Nice depuis la colline Saint Philippe

Djerash photo de Louis Vigne héliogravure de Charles Nègre

Le duc de Luynes a dirigé en 1864 une expédition en Palestine, Jordanie, Syrie et Liban. Louis Vignes l’a accompagné pour prendre des photographies. C’est à Charles Nègre  que la reproduction de 64 de ces photographies sur plaques héliogravées a été confiée. Elles seront publiées entre 1871 et 1874.

Charles n’a pas abandonné la peinture : il continue cette activité en peignant des paysages à l’huile sur papier. Marseille, Saint Raphaël, Grasse, Nice, Antibes, Menton avec la lumière de Provence … sont ses sujets de prédilection.

En 1878, il quittera Nice pour Grâce où il s’éteindra le 16 janvier 1880.

Bien qu’il se soit toujours considéré comme un peintre Charles Nègre est un grand nom de la photographie.

Le nom du Musée de la photographie de Nice.

Qui est Roger Jourdain ?

Roger Jourdain est né en 1948 à Vigneux-sur-Seine, en région parisienne. Sa famille s’est installée en Auvergne, alors qu’il était adolescent. Il a fait des études de chimie au Lycée technique de Montluçon.

Parc des volcans d’Auvergne

Pour avoir de l’argent de poche, il effectuait des petits travaux chez les agriculteurs voisins. Il consacrait ses petits pécules à sa passion : la photographie. Dès l’âge de 12 ans, il a commencé à prendre des photos : la famille, la nature, les fleurs étaient ses modèles. Puis c’est à 15 ans qu’il a créé son premier laboratoire de développement en utilisant les moyens du bord, en particulier les vieux ustensiles de cuisine de la famille !

La carrière professionnelle de chimiste de Roger Jourdain s’est déroulée entièrement chez Roussel Uclaf (qui deviendra Sanofi). Il a occupé plusieurs postes : chimiste, responsable de la micro-informatique, responsable de l’automatisation. Ses succès dans la photographie lui permettront d’occuper pendant les 5 dernières années de sa carrière le poste de « responsable technique de la Communication ». Et à ce titre : vidéaste – photographe officiel de Sanofi.

La Photographie

Comme nous l’avons vu Roger a toujours été passionné par la photographie. Il a consacré ses premières piécettes à l’achat de ses premiers appareils. Le matériel qu’il utilise aujourd’hui laisse penser qu’il a toujours investi dans le meilleur.

Roger Jourdain, chasseur d’images

Roger a toujours étudié la pratique de l’art photographique : adhésion à des clubs photos, participation à de nombreux concours en France. Avec le club photo entreprise de Sanofi (ASRU Cinéphoto Vertolaye),  il a remporté 5 fois la coupe de France en diapositives couleurs et 3 fois la coupe de photographies « Nature ».

Puis il a voulu tenter les concours internationaux. Sans succès au début, il n’a pas baissé les bras. Il a étudié les approches sociologiques, culturelles de l’image dans les différents pays où il concourrait. Roger Jourdain nous dit : « La photographie c’est de l’art. L’art est lié à la culture, et la culture est différente dans chaque pays. Nous devons respecter la culture de chaque pays».

Roger Jourdain, Globe-trotter

Roger Jourdain a parcouru la planète en tous sens, visité 49  pays sur les 5 continents, effectué en particulier 30 safaris en Afrique. Il a ramené de ses voyages de nombreuses photos. Sa photothèque compte plus de 350 000 images et 42 000 diapositives. Je vous propose un bref tour du monde en photos dans le diaporama ci-dessous.

Maintenant, sa notoriété vaut à Roger d’être accueilli dans de nombreux pays (Etats Unis, Chine, Indonésie, Russie, Serbie…) Lors de conférences, il présente son travail, un diaporama de ses réalisations puis une séance de questions-réponses.

L’instant décisif

L’expression « photographe de l’instant décisif » a été employée pour Henri Cartier-Bresson au XX^ème siècle. Je n’ai pas trouvé de meilleure formule pour qualifier certaines photographies de Roger Jourdain. Je vous propose une sélection d’images qui saisissent cet instant décisif : gerbes d’eau ou de feu, moto volante, trapéziste, cavaliers, danseurs, mouvements suspendus sans jamais de perte de netteté.

Les récompenses

Roger Jourdain est membre de la Fédération Photographique de France, membre de la Fédération Internationale de l’Art Photographique (FIAP), membre de la Global Photographic Union.

Il collectionne les prix nationaux et internationaux. C’est au total plus de 1900 récompenses qu’il a récoltées dans les concours.

Ce photographe « amateur » a obtenu le titre prestigieux de meilleur photographe du monde en 2016 et en 2017. Ce prix « Best of the best photographer »  lui a été décerné par la Fédération Internationale de l’Art Photographique. Il est le premier français à l’avoir décroché, et le premier européen à l’avoir obtenu deux fois.

Prisca Smile Tanzania

La FIAP est la seule organisation liée à la photographie reconnue par l’Unesco. Pour obtenir le titre de « Best of the best photographer » en 2016, Roger Jourdain a participé à 232 concours dans 95 pays différents, répartis sur les 5 continents. Il a obtenu 32 fois le titre de meilleur auteur dans ces concours. Je précise que la FIAP demande aux compétiteurs de présenter un maximum de 6 sections de 4 photographies, soit 24 photographies pour chaque concours. La FIAP gère 2 000 000 de photographes dans 95 pays du monde.

Transparence

Je précise qu’à part ses deux portraits, toutes les photographies qui illustrent cet article sont l’œuvre de Roger Jourdain. Elles sont publiées avec son autorisation. Elles restent sa propriété exclusive et ne peuvent en aucun cas être reproduites sans son accord.

Je terminerai par un grand merci à Roger Jourdain pour ces belles images et pour le partage de ses aventures.

Le groupe f/64

En 1932, Adams et d’autres photographes californiens (Edward Weston et Imogen Cunningham, en particulier) ont fondé le groupe f/64. Leur projet était de promouvoir leur vision de la photographie. Ils souhaitaient se libérer des modes de l’époque et des contraintes  que les arts graphiques s’imposaient.

Leur vision était une reproduction aussi précise et objective de la réalité, sans manipulation ultérieure (comme les pratiques du pictorialisme). Cette tendance est nommée la «Straight photography» (photographie pure).

Le groupe f/64 a en outre mis en place le département photographie au Museum of Modern Art.

Cathedral Peak and Lake © Ansel Adams

La galerie Ansel Adams

Située au cœur du parc du Yosemite, la galerie présente, outre A.Adams, une vingtaine d’artistes, dont les œuvres sont en rapport avec les paysages et l’âme du parc national et de l’Ouest américain. Plusieurs photographes présentés sont d’anciens assistants d’Adams.

La galerie organise des expositions, des ateliers, des stages de photographie dans le parc. Tentant, n’est-ce pas?

Pour en savoir plus, vous pouvez cliquer sur le bouton ci-dessous :

Galerie Ansel Adams

L’enfance de Vivian Maier

Vivian est née à New York le 1^er février 1926. Son père, Charles Maier était américain, d’origine autrichienne, employé dans une droguerie new yorkaise. Sa mère, Maria Joussaud était une française (des Hautes Alpes), immigrée de fraiche date, qui avait obtenue la nationalité américaine par son mariage en 1919. Vivian était la cadette de la famille, son frère, Charles William, étant né en 1920.

Le couple se sépare en 1929. Charles William est confié à la garde de ses grands-parents paternels. Vivian suit sa mère qui trouve refuge dans le Bronx, chez une amie, Jeanne Bertrand, également originaire des Hautes Alpes.

Jeanne était presque quinquagénaire en 1929. Elle était arrivée aux Etats Unis à l’âge de 12 ans. Artiste dans l’âme, elle a d’abord été une photographe réputée, (premières pages de magazines, articles élogieux). Elle a ensuite acquis une renommée comme sculptrice à New York. C’est elle qui a fait découvrir la photographie à Marie et à la petite Vivian.

Jeanne Bertrand

Vivian et les enfants du Champsaur

Vivian et sa mère Marie

En 1932 (ou 1933) Marie, Jeanne et Vivian partent pour la France, à Saint Bonnet en Champsaur. Des photographies prises par Marie pendant cette période sont des témoignages de leur séjour. Jusqu’à leur retour aux Etats Unis en 1938, Vivian pourra pratiquer la langue et s’imprégner de ses origines françaises.

Vivian Maier à New York

New York – Juin 1954

Dès la fin de son adolescence, Vivian sera employée comme vendeuse puis, elle sera nourrice au domicile de familles aisées.

Elle reviendra dans le Champsaur entre 1950 et 1951 pour vendre une propriété qui lui a été léguée par sa grand-tante. Elle en profitera pour rendre visite aux membres de sa famille, et au cours de longues promenades, elle prendra de nombreuses photographies, quelques soient les conditions atmosphériques

À son retour à New York, elle reprend son activité de nourrice, et avec le premier Rolleiflex, qu’elle achète en 1951, elle continue à photographier le monde qui l’entoure.

Vivian Maier à Chicago

Chicago 1965

Après quelques mois passés en Californie, Vivian s’installe à Chicago de façon définitive en 1956. Elle entre au service de la famille Gensburg dans laquelle elle s’occupe des trois garçons : John, Lane et Matthew. Elle est bien installée, avec une chambre et une salle de bain privée qui lui sert également de chambre noire. Dès qu’elle le peut, elle part dans la rue photographier la vie quotidienne des habitants, enfants, travailleurs, riches ou pauvres, handicapés, mendiants ou marginaux.

Vivian Maier voyage

Alpes françaises

Notre nounou photographe a fait de nombreux voyages sur le continent américain (nord et sud).

Elle prendra un congé, entre 1959 et 1960 pour faire le tour du monde : au départ de Los Angeles, elle se rendra en Thaïlande, en Inde, au Yémen, en Egypte, en Italie, puis en France. Dans les Hautes Alpes, elle parcourra à nouveau routes et chemins à bicyclette en prenant de nombreuses photographies.

Très secrète, Vivian ne dira jamais où elle est allée pendant cette période à la famille Gensburg.

Elle ne reviendra jamais en Europe mais continuera à faire de courts voyages sur le continent américain.

Retour à Chicago

Cabriolet Chicago

De retour à Chicago, elle reprendra son service chez les Gensburg jusqu’en 1968. (et oui, les enfants grandissent et n’ont plus besoin de nounou !) Elle restera en contact avec cette famille dans laquelle elle s’est toujours bien sentie. Les trois garçons ont gardé un excellent souvenir de leur nounou qu’ils comparaient à Mary Poppins.

C’est à cette époque que Vivian va passer à la photographie couleur. Elle achète un Kodak et un Leica 35 mm. Elle va dorénavant cesser de développer ses clichés, stockant les négatifs.

Vivian continue simultanément à exercer son métier de nourrice, allant de famille en famille. Elle arrivait dans les maisons avec des quantités impressionnantes de cartons qui contenaient ses archives. Un de ses employeurs en a compté plus de 200 !

Elle ne fréquentait plus sa famille depuis longtemps quand sa mère est décédée en 1975. Son frère l’a suivie en 1977. 

Fin de vie

Vivian finira sa carrière de nourrice en 1993, après quatre ans passés auprès de Chiara Bayleander, adolescente handicapée mentale, dont elle s’occupait avec beaucoup d’humanité.

Evidemment, la situation financière de Vivian était précaire. A la fin des années 1990, les frères Gensburg l’installent dans un appartement confortable à Rogers Park au bord du lac Michigan. Ils seront encore là, lors de son hospitalisation en décembre 2008, à la suite d’une chute. À sa sortie de l’hôpital, ils l’installent dans une maison de convalescence où elle mourra le 21 avril 2009.Ils ne se doutaient certainement pas que c’est la nécrologie qu’ils publieront dans le Chicago Tribune à la suite de son décès qui donnera un nom à l’une des plus grandes photographes du XX^ème siècle.

Révélation

Quand Vivian Maier est décédée, la révélation de son œuvre avait déjà débutée. En 2007, plus de 150 000 pièces avaient été saisies dans le garde-meuble que Vivian ne pouvait plus payer. Les tirages, les films, les négatifs et les pellicules en partie non développés ont été vendus aux enchères en 3 lots. Un des acquéreurs, John Maloof, eut connaissance, en revendant des tirages sur E bay, de la valeur artistique des photographies. Il a pu racheter une partie des lots des deux autres collectionneurs et commencer un vaste travail de classification, d’investigation, puis de reconnaissance.

John Maloof devant le legs de Vivian Maier

Les autoportraits avaient permis à  John Maloof de donner un visage à la photographe mais il ne connaissait pas son identité. Il avait entrepris le développement et la numérisation des photographies. C’est en 2009, qu’il trouva dans un carton une enveloppe avec un nom et un prénom écrits au crayon « Vivian Maier ». En recherchant sur internet il trouva la nécrologie que les frères Gensburg venaient de publier dans le « Chicago Tribune ».

John Maloof se consacre dorénavant à la reconnaissance posthume de Vivian Maier. Il a retrouvé et interrogé des personnes qui l’avaient connue et il a pu ainsi reconstituer sa biographie.

Reconnaissance

Maloof organise une première exposition au Centre culturel de Chicago « Finding Vivian Maier » L’exposition rencontre un succès immédiat. La vie et l’œuvre de Vivian fascinent aussitôt le monde entier.

Il a publié un premier livre « Vivian Maier : street photographer », en 2011.

John Maloof a coproduit un documentaire en 2013 avec Charlie Siskel également intitulé  « Finding Vivian Maier », en français : « À la recherche de Vivian Maier ». Il relate les conditions de sa découverte et interviewe de nombreuses personnes ayant connu la photographe. Ce film a obtenu en 2015 les oscars du meilleur film documentaire. À partir de cette date, les plus grandes galeries, les plus grands musées organisent des expositions et rétrospectives « Vivian Maier » qui suscitent partout un immense enthousiasme.

Affiche du film « À la recherche de Vivian Maier »

L’œuvre de Vivian Maier

C’est sans aucun doute Jeanne Bertrand qui a initié Vivian à la photographie. La qualité de ses clichés donne à penser qu’elle s’est inspirée de Lisette Model. Celle-ci donnait des cours de photographie à New York en 1952, mais il est peu probable que Vivian y ait participé. C’était une autodidacte qui visitait des galeries, consultait des magazines. La réussite de ses clichés tant en exposition qu’en composition en font une photographe de génie.
L’exposition de fin 2021, au Musée du Luxembourg à Paris, est sans doute la plus complète jamais présentée sur Vivian. Organisée par thème, elle est très pédagogique Je détaille ces thèmes dans mon article : Vivian Maier, exposition.

Hommages

Comme nous l’avons vu, dans le monde entier des expositions présentent la nounou photographe depuis la découverte de John Maloof.

Dans les Hautes Alpes l’association « Vivian Maier et le Champsaur » est très active : création de la maison de la photographie, expositions, site et présence dans tous les réseaux sociaux.

Depuis 2020, à Paris une rue du 13^ème arrondissement porte le nom de Vivian Maier.

Rue de Paris

Bibliographie

Divers auteurs ont publié des ouvrages au sujet de Vivian. Je vous en propose un florilège dans mon prochain article : La bibliographie de Vivian Maier.