Catégorie : Bloc notes

Peter KNAPP. « Mon temps »

Dans la salle n°1

Cette exposition met à l’honneur l’œuvre de Peter Knapp dont la carrière est intimement liée au magazine Elle. Hélène Lazareff qui lui a confié en 1959 la direction artistique du magazine

Pour se remettre dans le contexte, à cette époque, une nouvelle vague d’émancipation de la femme se dessine. Elle participera à cette mutation. La rédaction ouvrira ses pages à Simone de Beauvoir, Françoise Sagan ou Marguerite Duras. Peter Knapp, quant à lui va bousculer les codes de la photographie de mode. Finis les mannequins figés dans des décors de marbres blancs ; il modernisera à la fois  les mises ne page, la typographie, les modes de prises de vue et les postures des sujets. Les photographies de Peter Knapp ont ouvert la voie à de nouvelles expressions graphiques. Il est indiscutablement « de son temps »

Peter Knapp, Pour Courrèges, Thoiry, 1979 © Peter Knapp

Peter Knapp est né le 5 juin 1931 à Bäretswil, en Suisse. Après avoir étudié à l’École des Arts Appliqués de Zürich  (typographie, peinture, photographie, techniques d’impression…) Il s’installe à Paris en 1951 où il étudiera aux Beaux-arts.

En 1955, il est employé comme directeur artistique des Galeries Lafayette. Il réorganisera la typographie et introduira a photographie dans les annonces publicitaires.

En 1959, et jusqu’en 1966 il sera directeur artistique du magazine Elle. Ensuite, il devient photographe indépendant et travaillera entre autres pour Vogue, Stern ou le Sunday Times. Il est en même temps directeur artistique  chez Courrèges et Ungaro.

Il reviendra chez Elle de 1974 à 1977.

De 1983 à 1994, il est professeur à l’Ecole Supérieure des Arts Graphiques de Paris. Peter Knapp partage aujourd’hui son temps entre New York, Paris et la Suisse où il continue la  photographie et la peinture.

Thomas CHABLE « Au-dessus des nuages »

Dans la salle n°2

Thomas Chable est né en 1962 à Bruxelles. Il a suivi les cours d’Hubert Grootedaes photographe liégeois. Il vit et travaille dans la ville de Liège.

Chable a beaucoup voyagé : la France, le Mexique mais il a une prédilection pour l’Afrique. Il a suivi le fleuve Niger, traversé la Guinée, le Mali, le Niger et le Nigéria. Il a réalisé une série de photos intitulée Odeurs d’Afrique.  Une autre série Brûleurs l’a amené  de l’Afrique à la France et à la Belgique en passant par le Maroc, à la suite des personnes qui entrent en Europe clandestinement.

Thomas Chable enseigne aujourd’hui la photographie à l’Académie des Beaux-arts de Liège.

Thomas Chable, Chiré, Ethiopie, 2013. ©Thomas Chable

Les photographies de Thomas Chable, en noir et blanc sont empreintes de poésie. Les gris estompent les contrastes entre l’ombre et la lumière. Les personnages sont ainsi discrets et fondus dans ses clichés.

L’exposition présentent à la fois des images actuelles et des photos tirées de séries anciennes. Elles sont à découvrir comme un ouvrage de littérature du voyage.

Elliot ROSS « Seeing Animals » 

Dans la salle n°3

Cette série est partie d’une question philosophique : la pensée animale est-elle tellement différente de celle des humains ? Cette question lui est venue en observant une photo de son chat : à quoi pensait-il au moment du déclic ?

Seeing animals rassemble des images qu’Elliot Ross a prises dans le monde entier. Il les présente en noir et blanc pour se différencier de la photographie animalière et il isole l’animal de son environnement. L’exposition est une véritable galerie de portraits.

Elliot Ross Animal, 2011 © Elliot Ross

Elliot Ross est né à Chicago en 1947. Il est titulaire d’un Master en Art du San Francisco Art Institut. Il partage son temps entre San Francisco et New York avec son épouse Ellen Ullman, écrivaine.

De nombreuses expositions, à travers le monde ont présenté ses œuvres, personnellement ou collectivement. La Bibliothèque Nationale de France, le Museum of fine Art de Houston, le San Francisco Museum of Modern Art, le Center for Creative Photography de l’Université de Tucson en Arizona accueillent ses clichés dans leurs collections.

Ingel VAIKLA « Papagalo, What’s The Time ? » 

dans la boîte noire

Extrait de Papagalo, What’s The Time?  © Ingel Vaikla

Il s’agit d’un film de 7 minutes en 16 mm transféré en vidéo HD, noir et blanc, son stéréo.  Il présente des élèves du Collège Saint Paul de Bruxelles. Les bâtiments ont servi  de pavillon pour la Yougoslavie à l’exposition universelle de 1958. La caméra se déplace de l’extérieur vers l’intérieur, le long des couloirs, d’un étage à l’autre en suivant les élèves. Ingel Vaikla associe l’architecture et les corps en mouvement.

Natalie MALISSE et Camille SEILLES « Le cœur à même la peau »

dans la galerie du soir

De la série le cœur à même la peau © Natalie Malisse et Camille Seilles

Pour cette nouvelle édition de la Galerie du Soir, en partenariat avec le journal le Soir le choix « jeunes talents » s ́est porté sur Natalie Malisse et Camille Seilles.

Ces deux amies se destinaient, l’une et l’autre à des carrières scientifiques. Elles ont dans leur parcours rencontré la photographie et l’ont adoptée. C’est à l’École Supérieure des Arts, le 75, de Bruxelles  que Natalie, la belge et Camille, la française se sont connues.

Leur projet commun est une étude de deux jeunes adultes, Lou et Lola qui sont en proie à des troubles de comportement : anxiété, dépression, difficulté de concentration… Lou et Lola, écorchés vifs, fragiles, précaires ont le cœur à même la peau. C’est le sujet du travail de Natalie et de Camille.

Expositions printemps 2024 à Chalon sur Saône

Pour cette saison, le musée de la photographie Nicéphore Niepce de chalon propose deux expositions intéressantes qui seront visibles jusqu’au 19 mai 2024.

Hasard des programmations ! Nous avons vu plus haut que le musée de Charleroi expose Peter Knapp pendant que celui Chalon expose Sacha… Knapp a embauché Sacha comme photographe au magazine Elle, en 1964, alors qu’il en était le directeur artistique.

Avant d’en savoir plus sur Sacha, voyons la dynastie de tireurs Fresson. Non, ce n’étaient pas des adeptes de la pétanque! Alors que de nombreux photographes développaient eux-mêmes leurs photos pour leur donner l’aspect final qu’ils souhaitaient, d’autres faisaient appel à des tireurs, artisans spécialisés. La famille Fresson est experte dans cette pratique depuis 1899

Paysage(s) Fresson(s)

jusqu’au 19 mai 2024.

Fresson est un nom de famille. Le « s » entre parenthèses indique qu’ils sont plusieurs. En effet quatre membre de cette dynastie ont perpétué et continuent à développer des processus de tirage de photographies

Le premier, Théodore-Henri (1865-1951) a présenté en 1899 un procédé de tirage appelé « charbon satin » à la Société Française de Photographie ; ce procédé rencontrera un grand succès jusqu’au milieu du XX^ème siècle. Le papier charbon-satin donne des images aux couleurs douces, satinées, chaudes, légèrement floues, presque granuleuses malgré le papier lisse. Au tournant des années 1950, pour le grand public, le développement va s’industrialiser. Le prestige de la famille Fresson lui permettra de continuer de travailler pour des photographes et des agences professionnels.

Le fils de Théodore-Henri, Pierre (1904-1983) et son petit-fils, Michel (1936-2020) vont mettre au point un nouveau procédé de tirage adapté à la couleur. Ils s’installent à Savigny-sur-Orge en 1952. Jean-François (fils de Michel) rejoint l’atelier en 1978 et continue à réaliser des tirages de qualité (deux à cinq jours de travail sont nécessaires pour un développement)

Pierre Fresson dans l’atelier vers 1971 © Bernard Plossu

Bernard Plossu et ses amis ne jurent que par le procédé Fresson pour le développement de leurs prises de vue. Les photographies de Bernard Plossu tirées par les Fresson deviennent des compositions impressionnistes. Plossu a fait la promotion de l’atelier de Savigny-sur-Orge.  Jean-Claude Couval, Douglas Keats, Philippe Laplace, Laure Vasconi et Daniel Zolinsky confient les tirages de leurs images à l’atelier Fresson.

Ce sont leurs photographies qui sont à voir dans l’exposition du musée Niepce ainsi qu’une présentation de la dynastie Fresson. 

Sacha

jusqu’au 19 mai 2024.

Sacha van Dorssen est née en 1940 à Rotterdam. Elle est arrivée à Paris en 1964. Elle a su très vite s’imposer comme une photographe de mode atypique dans une profession qui restait très masculine. Elle a collaboré avec les grands magazines à l’époque de leur âge d’or (Elle, Sunday Times, Stern, Vogue, Marie-Claire…). De nombreuses photographies publicitaires portent sa signature (Saint-Laurent, Dim, Vuitton, Dior…) C’est une véritable entreprise (régisseur, éclairagiste, coiffeur, maquilleur, assistants administratifs…) que Sacha va diriger jusqu’en 1999. 

Avec Sacha, les mannequins ne semblent jamais poser. On a l’impression qu’ils sont saisis dans leur intimité. Ils semblent oublier la présence de la photographe et de son équipe. Les paysages occupent une place essentielle. Sacha sait intégrer ses modèles dans les décors, elle préfère la lumière extérieure à celle des studios. Peter Knapp dira que Sacha produit des photographies douces. Le vêtement ne semble pas être le sujet principal, il s’intègre à l’ambiance agréable et devient ainsi un élément de désir.
Mode, publicité, reportages… depuis 1964, Sacha a construit une œuvre singulière faite de lumière, d’exigence et de sincérité.

Sacha pour Vogue 1986 Sri Lanka © Sacha

La MEP printemps 2024

Pour la première saison de 2024 la Maison propose dans les galeries deux expositions : Extérieurs – Annie Ernaux et la photographie et Lisa Fonssagrives-Penn – Icône de mode, Ces expositions sont visibles du 28 février au 26 mai.

Dans le Studio, L’exposition Iris Millot – Le soleil passe à l’embranchement sera présentée jusqu’au 7 avril 2024

Enfin dans la petite galerie, et jusqu’au 26 mai la MEP montre des photos d’archives sous le titre : Les mots sont des images comme les autres

Les mots sont des images comme les autres

Dans la petite galerie du 28 février au 26 mai 2024

Cette exposition propose des images de la collection de la MEP, en même temps que le film de William Klein de 1959 Broadway by light. L’ensemble de cette présentation fait écho à celle de la galerie 2 Extérieurs-Annie Ernaux et la photographie. Elle associe des mots aux images.

On invite le public à une réflexion : comment le cerveau interprète-t-il ce que l’œil voit ? Quels mots allons-nous employer pour donner un sens à ce que nous voyons ?

Parfois le mot s’intègre dans l’image. Des artistes l’utilisent pour créer une nouvelle expression artistique.

La petite galerie est en principe un espace dédié au jeune public, mais les grands trouveront également  un intérêt dans cette exposition ludique.

Collection MEP

La MEP printemps 2024, Informations pratiques

Voici ci-dessous les informations pratiques et les liens pour visiter le site ou joindre la billetterie.

Nous notons que les tarifs ont augmentés de 27 % en un an !

Dans les années 1960, l’Amérique est en pleine mutation. New-York est le creuset de cette transformation. Les arts sont florissants (Andy Warhol, Philip Glass, Walter Wendy Carlos). La communication politique évolue (John V. Lindsay, Richard Nixon, John F. Kennedy). Les mouvements (féministes, afro-américains) manifestent. Henri Dauman est le témoin de ces changements qu’il relate dans les magazines pour lesquels il travaille : Life, Newsweek et surtout le New-York times. The Manhattan darkroom, au delà d’une exposition est un mémorial de l’Amérique des années 1960.

Henri Dauman

© Henri Dauman, New-York 2022

Henri Dauman est né à Paris en 1933 dans le quartier de Montmartre. Pendant la guerre, son père est arrêté par la police de Vichy. Il mourra en déportation  à Auschwitz. Pour échapper aux rafles, Henri fuit en Normandie où il assiste au débarquement des alliés. De retour à Paris, il retrouve sa mère. Tragédie du destin : cette dernière sera victime, avec 5 autres personnes d’un empoisonnement avec des médicaments frelatés  vendus par un pharmacien parisien.

Après un séjour en orphelinat, Henri émigre aux États-Unis. Il retrouve son oncle qui l’accueille en 1950. Il débute très vite dans la carrière de photographe-journaliste. Dans un premier temps, il est correspondant de presse avec des magazines français (France-Amérique, L’Express, Jours de France ou Paris match). Ensuite, il va collaborer avec les magazines américains qui sont très prospères.

Dauman a du succès tant par son style photographique que par son sens de la narration. Il est parfaitement bilingue, il est disponible, dynamique. Ses qualités lui permettent d’être apprécié des rédacteurs en chef qui lui confient des reportages importants.

Le succès d’un français à New-York

Il fera les portraits de célébrités américaines et françaises, de passage en Amérique, (Liz Taylor, Marylin Monroe, Arthur Miller, Miles Dais, Groucho Marx,  Elvis Presley, Brigitte Bardot, Alain Delon, Georges Simenon, Jacques Tati, Yves Saint-Laurent…)

Il sera le témoin de l’évolution de la société durant les années 1960. L’introduction de la couleur dans ses images correspondra à la transformation de la société. La « révolution » des années 1960, n’est-elle pas le passage du noir et blanc à la couleur ?

Dauman restera indépendant pendant toute sa carrière. Il militera pour la reconnaissance du travail des photographes et pour l’application des droits d’auteur à leurs œuvres.

Il attendra l’âge de 80 ans pour qu’une rétrospective de sa carrière soit organisée. The Manhattan darkroom sera présentée au grand public au Palais d’Iéna (Paris) en 2014, au Musée Niepce de Chalon en 2017 et aujourd’hui au Musée Charles Nègre de Nice.

Henri Dauman est décédé à New-York le 13 septembre 2013.

Informations pratiques

Tarifs :

Visite individuelle : 5 €. Un pass de 4 jours vous permet d’avoir accès à tous les musées de Nice pour 15 €.

Visite de groupe (à partir de 10 personnes) 4 € et 10 € pour le « pass musées »

Il y a des gratuités, je vous invite, pour en savoir plus, à la billetterie du musée :

Humanisme, ironie, humour

Voici les trois mots empruntés par les commissaires pour présenter l’exposition. Elle est riche de 215 photographies en noir et blanc ou en couleur. Le parcours, divisé en huit thèmes invite à découvrir tous les aspects de l’œuvre de l’artiste. On distingue les clichés personnels d’Erwitt, pour lesquels il privilégie le noir et blanc et les « commandes » qui sont plutôt en couleur. Mais son regard, qui combine humour et émotion, sa touche personnelle,  apportent une cohésion à l’ensemble de son œuvre.

Photo de l’exposition © Tempora

Eliott Erwitt, ne pouvant plus se déplacer, n’a pas pu voir l’exposition, mais il en a définit les thèmes. Vous découvrirez ses clichés comme il les a lui-même mis en scène.

La fin du parcours,  « Espace Fabrique », évoque l’atelier new-yorkais du photographe : décor et mobilier, accessoires inspirés de son matériel. On prend conscience de l’étendue des activités d’Erwitt en lien avec la photographie.

Eliott Erwitt : rétrospective. Informations pratiques

La Sucrière, quartier « Confluence », 48 – 50 quai Rambaud – Lyon 2^ème

Horaires :

Fermé le lundi.

Du mardi au vendredi : 10 h / 17 h

Samedi et dimanche : 10 h / 18 h

Prévoir 1 h 30 pour la visite 

La réservation en ligne est conseillée

Bloc-notes automne 2023, Nice, 2^ème période

Nous avons vu dans mon article : Bloc-notes automne 2023, le programme du Musée Charles Nègre. Il expose jusqu’au 20 janvier 2024, Robert Doisneau, Le merveilleux du quotidien dans le musée proprement dit.

Dans la galerie, deux expositions rythment la saison. Carrare, le crépuscule de la montagne de Julie Hascoët a pris fin le 5 novembre dernier. Regard sur les Alpes sauvages de Robert Forte la remplacera à partir du 18 novembre.

<<< Gypaète barbu, Mercantour, 2015 © Robert Forte

Le musée Charles Nègre de Nice

Une fois de plus, le Musée Charles Nègre de Nice propose une belle exposition. Le public peut voir des images harmonieuses, loin des tendances imposées par la dictature du prêt-à-penser. « La montagne est belle », chantait Jean Ferrat. Robert Forte nous fait partager les expériences qu’il en fait.

Pour connaître les horaires du Musée Charles Nègre, voici le lien vers leur site :

Robert Doisneau – Le merveilleux du quotidien

Robert Doisneau est sans doute le photographe du XX^ème siècle le plus proche du public. Ses photographies mythiques du Paris de l’après-guerre ont marqué des générations qui retrouvent leurs souvenirs à travers elles. Il est à l’aise dans  la rue, en digne héritier d’Eugène Atget dont il admirait le travail.

Robert Doisneau, avec un regard malicieux, est toujours aux aguets pour capturer le quotidien des gens. Ses photos allient l’humour et l’ironie mais aussi la nostalgie et la tendresse. Son œuvre témoigne d’une grande humanité.

L’exposition est conçue avec la collaboration de l’Atelier Robert Doisneau. Elle propose 110 photos partagées en deux périodes.  

Le Merveilleux quotidien 78 tirages sur Paris et sa banlieue présentent un aperçu de la carrière de Robert Doisneau des années 1930 aux années 1970. Ils sont complétés par deux grands montages en relief réalisés par l’artiste dans l’esprit de ce qu’on appelle aujourd’hui des installations.

Palm Spring 1960 © Robert Doisneau

Palm Springs 1960 Le magazine Fortune a commandé un reportage à Robert Doisneau sur la construction de terrains de golf dans le désert du Colorado. Avec son regard amusé l’artiste utilisera pour la première fois  la pellicule couleur pour restituer l’atmosphère factice de cette oasis pour riches américains. Avec sa capacité à saisir les moments de la vie ordinaire, pour en faire des photos inoubliables, Robert Doisneau nous livre un univers singulier et poétique.

Julie Hascoët. Carrare, le crépuscule de la montagne

Dans la galerie du musée, jusqu’au 5 novembre 2023

Cette exposition est présentée dans le cadre du festival L’image satellite . Julie Hascoët a remporté le prix Satellite 2023.

Julie Hascoët est née à Douarnenez en 1989. Diplômée de l’Ecole Nationale Supérieure de la Photographie d’Arles (2012), elle porte un regard poétique et critique sur des territoires en marge et sur les formes générées par leur occupation. Depuis 2013, elle est co-fondatrice de Zines of the Zone, plateforme dédiée au livre photo et à l’exposition, l’archive et le voyage. Julie Hascoët s’est installée à Brest en 2019 où elle fait du commissariat d’exposition.

Outre le prix satellite 2023, elle a également reçu le Prix international Gabriele Basilico pour la photographie d’architecture et de paysage. Ce prix lui a permis de faire le reportage sur Carrare, objet de l’exposition. 

La ville de Carrare est célèbre par ses marbres, mais à quel prix ?

Le bord de mer est encombré de porte conteneurs et de bâtiments de stockage. La montagne est endommagée par l’industrie qui en a dévoré les sommets. C’est le témoignage de cette désolation longtemps décriée politiquement qui est présenté dans cette exposition.

Elle est accompagnée d’un livre :  Carrara, il crepuscolo della montagna aux éditions Autonomes

Bertrand Meunier. Erased

Erased  © Bertrand Meunier

Dans la salle n°1

Bertrand meunier est membre du collectif Tendance floue et titulaire du prix Niepce 2007. Il est le parfait représentant de la photographie française contemporaine : documentaire et décalée. Je vous ai présenté le photographe et l’expo Erased dans l’article Bloc-notes été 2023, puisqu’elle a été présentée au musée Niepce de Chalon cet été

Bertrand Meunier Erased >>>

Comme à Chalon, le Musée de Charleroi présente 80 tirages argentiques, des vidéos, des installations, des coupures de presse, sur le travail réalisé par le photographe en Chine de 1999 à 2019.

Commissaires : Bertrand Meunier, Sylvain Besson.
Une coproduction entre le Musée Nicéphore Niepce à Chalon-sur-Saône et le Musée de la Photographie à Charleroi. 

Camille Peyre. Gare à vous

Gare à vous © Camille Peyre

Dans la galerie du soir

Camille Peyre est originaire du Jura où il a suivi des études dans l’hôtellerie. Il a ensuite travaillé dans plusieurs pays, dans des maisons prestigieuses de l’hôtellerie de luxe. Lassé par la monotonie de ce métier, il décide de se lancer dans une formation artistique. Il sera diplômé de la section photographie de l’Ecole supérieure des Arts Visuels de La Cambre

L’exposition est une réflexion sur l’uniforme au travail, «réglementé et contractualisé, il fédère l’équipe … l’uniforme muselle les individualités, provoque une lassitude…» Camille Peyre se met en scène dans une série d’autoportraits imprimés sur bâche PVC avec l’aide de Barbara Salomé Felgenhauer pour la réalisation technique.

Virginie Nguyen Hoang, Ukraine, La vie en guerre

Dans le salle n° 2

Reportage sur une année de guerre en Ukraine. L’exposition est le fruit d’un travail en immersion au côté des civils ou des militaires qui partagent la même envie : la libération de leur pays et la fin de la guerre.

La première partie raconte la souffrance des ukrainiens, à travers les portraits de personnages, hommes, femmes et enfants qui n’aspirent qu’à retrouver une vie normale.

La deuxième partie présente plutôt les combats avec des photos ramenées du front, notamment de Khersov et des villages alentours libérés en novembre 2022 par les soldats ukrainiens  

Ukraine, La vie en guerre © Virginie NGUYEN HOANG

Eva Claus Any way

Dans la boîte noire (film)

Film de 17’55 ‘’, son stéréo 5.1 sur pellicule Kodak 16 mm Belgique 2022.

Eva Claus, dans son film Any Way, traite de la course à pied à travers trois personnages qui évoluent dans un stade. Elle décompose les mouvements et les attitudes des courreurs. La musique entraine le spectateur dans le mouvement.

Paradoxalement, Any way nous invite également à la contemplation et à la réflexion.

Viviane Sassen, Phosphor : Art & Fashion 1990 – 2023

Du 18 octobre 2023 au 11 février 2024

C’est la première exposition en France de cette artiste néerlandaise que présente la MEP à la galerie, du 18 octobre 2023 au 11 février 2024.

L’exposition réunit plus de 200 créations où la photographie côtoie le collage et la peinture. Elle se déploie sur les deux niveaux principaux de la MEP. Elle concerne des séries iconiques : Umbra, Parasomnia, Flamboya ou Roxane, des archives inédites et des photographies de mode.

Viviane Sassen est née en 1972 à Amsterdam. Après plusieurs années passées à étudier la mode, elle se tourne vers la photographie. Elle se forme à l’ Utrecht School of the Art. Dès la fin de ses études, elle alterne entre ses projets personnels et des commandes commerciales. Son style aux couleurs intenses,  son jeu d’ombres et de lumière, son regard singulier sur les corps lui ont permis d’acquérir une renommée internationale dans la sphère de la mode autant que dans les institutions culturelles.

Un ouvrage de plus de 400 pages sera publié à l’occasion de l’exposition aux Éditions Prestel. Sa conception est assurée par la graphiste Irma Boom.

Anna, The Gymschool, 2014, 15’16 » © Rineke Dijkstra 

My-Lan Hoang-Thuy,  Femme Actuelle

© My-Lan Hoang-Thuy

Du 18 octobre au 10 décembre 2023

Le Studio de la MEP est un espace dédié à la création émergente. Elle présente du 18 octobre au 10 décembre 2023, la première exposition personnelle de My-Lan Hoang-Thuy, Femme Actuelle.  

My-Lan Hoang-Thuy est née en 1990 à Bourg-la-Reine, elle est diplômée des arts appliqués à l’École Duperré et des Beaux-arts de Paris. Elle a obtenu le prix de photographie des diplômés. Après avoir participé à plusieurs expositions collectives, elle intègre la résidence de la Maison des Arts Yishu 8 à Pékin en 2024.

L’artiste pratique l’art sous différentes formes. Elle associe dans ses compositions la photographie, la peinture, le dessin et les arts graphiques. Femme actuelle est une sélection d’œuvres réalisées entre 2019 et 2023. My-Lan Hoang-Thuy présente son corps, elle le module, l’allonge, le rapetisse, diversifie les poses.

Commissaire d’exposition : Clothilde Morette

Senta Simond, Dissonance

Senta Simond , Dissonance

À la suite de Femme actuelle, le Studio de la MEP proposera encore une première exposition personnelle. Du 15 décembre 2023 au 11 février 2024 vous pourrez voir : Dissonance de Senta Simond

Senta Simond est née à Genève en 1990. Après ses études à l’Université de Lausanne (Esthétique et théorie du cinéma), elle a obtenu en 2017 un diplôme à l’École Cantonale d’Art de Lausanne en matière photographie  Elle vit et travaille à Paris comme photographe de mode depuis 2018. Elle explore la féminité contemporaine avec une approche minimaliste et abstraite en privilégiant la collaboration avec ses modèles.

L’artiste nous présente dans cette exposition des photos et des vidéos inédites. C’est un dialogue visuel et sonore entre deux jeunes femmes qui ne se sont jamais rencontrées : une danseuse ukrainienne et une harpiste irlandaise. Une œuvre intime, mystérieuse et sensuelle à découvrir à travers des gros plans. Elle mélange ses images et les séquences filmées par les deux jeunes femmes.

Commissaire : Laurie Hurwitz

Stéphane Lagoutte, Liban, stratigraphie

© Stéphane Lagoutte

14 octobre 2023 au 14 janvier 2024
Le musée présente un travail réalisé par Stéphane Lagoutte au Liban pendant plus de 10 ans.

L’exposition se divise en 5 séries : Beyrouth 75-15, Observation, Révoltes, Voir et Survivance. Le photographe décortique les évènements de l’histoire du Liban depuis 1975.

Les périodes se succèdent et rendent compte de la situation complexe de ce pays sans que l’on distingue les transitions entre les évènements.

Surimpressions, agrandissements, projections, détails sont les formes d’écriture photographique utilisées par l’artiste pour ce travail.

Stéphane Lagoutte est né en 1973. Il est membre de l’Agence MYOP depuis 2009. Il en a pris la direction en 2016. Après avoir étudié aux Beaux-arts il s’est consacré à la photographie documentaire. Il s’intéresse particulièrement à l’homme et à son environnement.

Commissariat : Céline Duval pour Stimultania, Emmanuelle Vieillard pour le musée Nicéphore Niepce

Baptiste Rabichon, Pièces

© Baptiste Rabichon

14 octobre 2023 au 21 janvier 2024
Cette exposition propose au spectateur de découvrir les derniers travaux de Baptiste Rabichon, réalisés de 2020 à 2023. L’artiste nous place face à notre besoin impulsif et obsessionnel d’images. Il met en œuvre ces contradictions qui consistent à avoir besoin de s’inscrire dans la durée, dans le souvenir et paradoxalement de demander  sans cesse des informations instantanées, immédiates. 

Baptiste Rabichon compose ses œuvres à partir de photographies prises à la chambre photographique, comme au smartphone. Il expérimente de nombreuses techniques : tirages analogiques, projections à l’agrandisseur, photogrammes, collages numériques qu’il combine avec de la peinture et du dessin.

Baptiste Rabichon est né en 1987 à Montpellier. Il a étudié les Beaux-arts à Paris et a remporté le Prix BMW pour la photographie en 2017. Ses travaux ont été exposés au Centre d’Art Contemporain de Nîmes, aux Rencontres d’Arles ou au Lianzhou Museum of Photography en Chine. 

Pour en savoir plus, vous pouvez consulter son site :

Commissaire d’exposition : Emmanuelle Vieillard du Musée Niepce